tag:blogger.com,1999:blog-57455822295837928132024-03-05T11:43:31.083+00:00los rizos de MedusaCarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.comBlogger41125tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-78076458881608382362014-04-27T21:27:00.000+01:002014-04-27T21:29:46.164+01:00The Other Art Fair<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy quiero hablaros de una feria en la que he estado este fin de semana y me ha gustado mucho, se trata de The Other Art Fair, celebrada en la ciudad de Londres. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7R8jgmjUxQdSH7mWCdxuqDd8jBvOICGUQzqR2ioyy8Q5a2kQUPdmWPiJSth3cC-_AWUgWmrGaRxVQqkS-AU5yGeNA7xRW8fXe5Un2q4jBQs3ICOj31xlzpirJV7b1-ywUVyIJa5nbAGs/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7R8jgmjUxQdSH7mWCdxuqDd8jBvOICGUQzqR2ioyy8Q5a2kQUPdmWPiJSth3cC-_AWUgWmrGaRxVQqkS-AU5yGeNA7xRW8fXe5Un2q4jBQs3ICOj31xlzpirJV7b1-ywUVyIJa5nbAGs/s1600/1.jpg" height="225" width="400" /></a></div>
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Este evento se diferencia de las habituales ferias artísticas en que no son galerías las que exhiben las obras de sus artistas, sino que son los propios creadores quienes muestran y venden sus obras, sin ningún tipo de intermediario. Suelen ser artistas emergentes, que no son representados por ninguna galería, a los que la feria les ayuda a darse a conocer al gran público, así como a establecer contacto con futuros clientes. Es por lo tanto una ocasión excepcional para poder conocer de primera mano el trabajo de los diferentes artistas participantes, ya que no dudan en interactuar con el público, explicándoles sus trabajos y mostrándoles sus creaciones.</div>
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Los artistas que participan en esta feria, aproximadamente unos 100, son seleccionados por un comité compuesto por reconocidos artistas, entre los que destaca este año la participación en el jurado de la inglesa Tracy Emin, quien posee a su vez de un stand en la feria donde están a la venta unas esculturas de edición limitada creadas específicamente para esta ocasión. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEip7GYChPray1R-vLM42Bw31EI4AiO0vSrBnk0vc2rnc1MG7eH3ls9kpu_IMCUUl8chn5UVyXCFuUJ6Hao9az4mT2PXLudrkopJmgbjIgfA03Ml5zq1SgdP5prI-LK6HJRh1wepe0cxxFw/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a> </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdq1hPaKyb3SndXy4iCfBVNXG4uaZvd-TMC8XSLagIp_FtTfTNHY4c1uIvPovTaFtCChL7FGqiIwAIruwwbMowkEGLANChELncpUNLWP1dgwlYcFbOh1IOZiFV9NA6vv7wOAGaSZllTb0/s1600/6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdq1hPaKyb3SndXy4iCfBVNXG4uaZvd-TMC8XSLagIp_FtTfTNHY4c1uIvPovTaFtCChL7FGqiIwAIruwwbMowkEGLANChELncpUNLWP1dgwlYcFbOh1IOZiFV9NA6vv7wOAGaSZllTb0/s1600/6.jpg" height="225" width="400" /></a></div>
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Los precios de las obras suelen ser mucho menos elevados que en otras ferias de este tipo, por lo que siempre es una buena ocasión para poder comprar alguna pieza a un precio asequible</div>
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La primera vez que se creó esta feria fue en el 2011 y ésta ha sido su 6ªedición, lo que demuestra el éxito con el que está gozando.</div>
<br />
Os dejo el link de la feria, por si os apetece echarle un vistazo: <a href="http://www.theotherartfair.com/" target="_blank">The Other Art Fair</a><br />
<br />
Fuentes fotografías: GTT.<br />
<br />
<br />CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-78069870070125774832014-03-23T15:55:00.000+00:002014-03-27T13:59:51.735+00:00Embu das Artes<div style="text-align: justify;">
Hace un par de semanas estuve de vacaciones en Brasil y por ello hoy quería hablaros sobre un pueblo que visité durante mi estancia allí, ya que se trata de una localidad vinculada totalmente con el mundo del arte, como su propio nombre indica: Embu das Artes. </div>
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Embu das Artes se encuentra en el estado de Sao Paolo, al oeste de la gran ciudad. Su mercado de arte y artesanía, celebrado todos los fines de semana, la convierte en una atracción turística, ya que numerosos puestos callejeros y tiendas venden las creaciones de diferentes artistas, muchos de ellos locales.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhH3PpkVqzQY4oGDfb778Z5jX8v_xzCtsAVk-DHyuTDwFuA9HFtQFNQTacFtbU9U0evBfhjziPWuJiOpS0DrtFpGH_3yEPfXGW_jNWmXtoXvoRUwPCJGKjCoHUNQM76JW9xfQPa6MeKsLQ/s1600/P1010448.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhH3PpkVqzQY4oGDfb778Z5jX8v_xzCtsAVk-DHyuTDwFuA9HFtQFNQTacFtbU9U0evBfhjziPWuJiOpS0DrtFpGH_3yEPfXGW_jNWmXtoXvoRUwPCJGKjCoHUNQM76JW9xfQPa6MeKsLQ/s1600/P1010448.JPG" height="240" width="320" /></a></div>
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Esta ciudad se convirtió en un foco artístico de importancia en Brasil en los años 30 tras el reconocimiento de uno de sus artistas, Cássio M'Boy, en la Exposición Internacional de Artes Técnicas de París, en la que se le otorgó el Primer Gran Premio. A partir de entonces muchos otros artistas comenzaron a frecuentar la ciudad, donde acudían a recibir incluso lecciones, y tras este primer movimiento inicial, numerosos artistas y hippies comenzaron a mudarse a Embu, siendo los que posteriormente comenzaron a organizar el famoso mercado de artesanía en la ciudad, que se celebra desde el año 1969. </div>
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Lo que más llama la atención de la ciudad de Embu, puede ser quizás el colorido, muy presente siempre en toda la tradicción brasileña. De hecho, muchas de las obras que se pueden encontrar por las calles están relacionadas con el arte tradiccional del país, por lo que si tenéis la oportunidad de visitarla, no lo dudéis, es totalmente recomendable. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY4vVZnsjYz7Qpbum4KIesvWg_f5U3fTaPOeUYxfysp8z0U6Os7i1wBTDDVjIUNpSkQchxHyZ-LDK2e6hYCbTFvDFhm-_wf_JN70MxwPTpUR-ccxrbSx-6sqaQ1YA1IBbtzOGX8uDDp1o/s1600/P1010466.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY4vVZnsjYz7Qpbum4KIesvWg_f5U3fTaPOeUYxfysp8z0U6Os7i1wBTDDVjIUNpSkQchxHyZ-LDK2e6hYCbTFvDFhm-_wf_JN70MxwPTpUR-ccxrbSx-6sqaQ1YA1IBbtzOGX8uDDp1o/s1600/P1010466.JPG" height="240" width="320" /></a></div>
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Embu cuenta además con numerosas galerías distribuidas por toda la ciudad, donde podréis encontrar buenos ejemplos de arte brasileño actual. </div>
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Fuente fotografías: GTT.</div>
CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-13322267043267013772014-02-16T18:04:00.001+00:002014-02-16T18:04:34.019+00:00NAMES<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy quiero hablaros de un interesantísimo proyecto que se ha estado llevando a cabo desde el año 1985, impulsado por el activista norteamericano Cleve Jones (1954): "NAMES Project AIDS Memorial Quilt".</div>
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Cleve Jones es un gran defensor de los derechos de los LGBT (lesbianas, gais, bisexuales y personas transgénero) y de los afectados del virus VIH. Fue muy amigo del activista Harvey Milk (1930-1978), primer político homosexual reconocido, que ocupó un cargo en los EEUU. Jones co-fundó la "San Francisco AIDS Foundation" en 1983. Dos años después, en una marcha en recuerdo de su amigo Milk, comenzó a idear lo que tiempo después se convertiría en el primer "<em>quilt</em>" o colcha para el recuerdo. </div>
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Estas colchas o edredones han sido realizados manualmente por amigos o familiares de personas fallecidas a causa del SIDA y quieren recordar a través de su contenido, a las personas que ya no se encuentran desafortunadamente con ellos. Hay que tener en cuenta a la hora de entender el proyecto, que la muerte por esta enfermedad no estaba bien vista, y los enfermos portadores del VIH eran en muchas ocasiones rechazados por la propia sociedad, por lo que esta obra de arte colectivo quería mostrar su apoyo a todas las personas afectadas por este virus. Querían que la sociedad se solidarizase y concienciase con la enfermedad y los efectos que conllevaba.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2_0ivBW1Kt7AZoOcoOJhJUvdIxl2rcKJToCdV_P5FlBOykzPh3YfmAHk-peda7xXevBlVLkwlYG9ev4krhOWbeioP8tlF3McBpiKxo40Ii6WLxC_Tp3zLrZjmE6dQurL0vekzsldprsQ/s1600/quilt.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2_0ivBW1Kt7AZoOcoOJhJUvdIxl2rcKJToCdV_P5FlBOykzPh3YfmAHk-peda7xXevBlVLkwlYG9ev4krhOWbeioP8tlF3McBpiKxo40Ii6WLxC_Tp3zLrZjmE6dQurL0vekzsldprsQ/s1600/quilt.jpg" height="300" width="400" /></a></div>
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El lugar originario donde comenzaron a mostrarse estas colchas fue en Washington, en el National Mall en 1987 y han seguido creciendo y exponiéndose a lo largo de todos estos años, en los cuales se han ido sumando nuevas obras. También se han expuesto en diferentes ciudades del país, difundiendo la obra entre un gran público. Es considerada la obra de arte comunitario mayor del mundo. </div>
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Además de convertirse en un monumento para el recuerdo, este proyecto ha conseguido recaudar muchos fondos para la Fundación, lo que ha permitido seguir ayudando a los enfermos de SIDA y a mejorar la educación para prevenir la enfermedad en futuras generaciones. </div>
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En 1989 este proyecto fue nominado al Premio Nobel de la Paz aunque finalmente se lo llevó el Dalái Lama (<span dir="auto">Tenzin Gyatso)</span><span dir="auto">.</span></div>
<span dir="auto"></span><br />
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<span dir="auto">Os dejo el tráiler de la película sobre la vida de Harvey Milk, ya que si no la habéis visto, merece mucho la pena:</span></div>
<span dir="auto"></span><br />
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/3uI5o8THOzg?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<span dir="auto"></span><br />
<span dir="auto">Si queréis saber más sobre este proyecto, no dudéis en visitar su página web: </span><span dir="auto"><a href="http://www.aidsquilt.org/" target="_blank">The Names Project</a></span><br />
<span dir="auto"></span><br />
<span dir="auto">Fuente Fotografía: <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Wikipedia:Portada" target="_blank">Wikipedia</a></span>CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-14400387221756436272014-02-02T13:03:00.003+00:002014-02-05T13:39:27.933+00:00Premios Kandinski<div style="text-align: justify;">
Hace ya tiempo me regalaron un interesante libro sobre los Premios Kandinski rusos por lo que me gustaría hablaros sobre ellos hoy en el blog. </div>
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Este galardón debe su nombre al famoso artista Vasily Kandinski (1866-1944) precursor del arte abstracto ruso. Los Premios Kandinski son los más importantes independientes del arte contemporáneo ruso, no dependen por lo tanto de ninguna forma del gobierno. La persona que los impulsó fue Shalva Breus, editor de la revista Artchronika, cuya fundación de hecho son los organizadores de este certamen. Se celebran anualmente en Moscú y se crearon con el objetivo de proteger y ayudar al desarrollo del arte contemporáneo en ese país. Su primera edición fue en el año 2007 y siguen en vigor en la actualidad. </div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1K0dnfRTzKuBK8aBxnKo8Z78JKDkTmqI07FWI32YmkFKjMMEx6BkdJergaee8zQolUc7B9ZsQHMdVvDnPxJnSeQwKAzRZU3Pa6_I-mjqWlHrlUGv-hYV0fM7DjwwKHduj-CSsGm6TDOc/s1600/tiempo+de+compasi%C3%B3n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1K0dnfRTzKuBK8aBxnKo8Z78JKDkTmqI07FWI32YmkFKjMMEx6BkdJergaee8zQolUc7B9ZsQHMdVvDnPxJnSeQwKAzRZU3Pa6_I-mjqWlHrlUGv-hYV0fM7DjwwKHduj-CSsGm6TDOc/s1600/tiempo+de+compasi%C3%B3n.jpg" height="220" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">The Blue Noses, <i>Era of Mercy, </i>2005</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Cualquier artista ruso puede presentarse a sí mismo, no necesita estar respaldado por ninguna galería o institución y existen dos premios principales: uno al Proyecto del Año, dotado con 40.000€ y otro para el Artista Joven del Año, que debe ser menor de 35 años, y al que se le otorga un premio de 10.000€. Este galardón intenta a su vez promover activamente a estos artistas, proporcionándoles su participación en exposiciones en el extranjero para darles a conocer también internacionalmente.</div>
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A su vez en torno a estos premios se genera todo un circuito renovador del arte contemporáneo. Se organizan mesas redondas y actividades relacionados con los temas más actuales y se monta una exposición con las obras de los artistas participantes, que goza de un gran éxito entre el público ruso. </div>
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El jurado que selecciona los premios ganadores está compuesto siempre por diferentes personalidades internacionales que contribuyen a darle una mayor fama y credibilidad a estos premios, lo que ayuda sin duda alguna a colocar a estos artistas en al circuito internacional, algo bastante complicado en condiciones normales. Hay que tener en cuenta que en Rusia por el momento no existe ningún Museo Nacional de Arte Contemporáneo por lo que la importancia de este galardón es sumamente significativa hoy en día. </div>
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Os dejo el link del premio por si os interesa echarles un vistazo: <a href="http://www.kandinsky-prize.ru/" target="_blank">Web Premios Kandinsky</a></div>
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<br /></div>
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Fuentes fotografías: <a href="http://artinrussia.org/the-blue-noses/" target="_blank">Art in Russia</a></div>
CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-11198141575761532892014-01-26T18:51:00.002+00:002014-01-26T18:58:20.532+00:00Roy's People<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjYIwf_CS7gsue6WGIBzF6UXcxcZ5gKl8SiAnZFjH_13qe3YKidrPj8Y1FuKL0Mdm7wlfetG0l9Fzuxy89h2j9Es8B-hbMCWfjXPRNrkXxAY8pyo60ORnCUrTWiqwxS82wPVCvIpV3Y_4/s1600/Miracle.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjYIwf_CS7gsue6WGIBzF6UXcxcZ5gKl8SiAnZFjH_13qe3YKidrPj8Y1FuKL0Mdm7wlfetG0l9Fzuxy89h2j9Es8B-hbMCWfjXPRNrkXxAY8pyo60ORnCUrTWiqwxS82wPVCvIpV3Y_4/s1600/Miracle.jpg" height="320" title="Miracle" width="238" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Miracle</i></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
El domingo pasado os hablaba de la feria de Affordable Art que había visitado hace unos meses en el Parque Battersea de Londres. Pues bien, hoy quiero mostraros la obra de un artista que descubrí allí y que me encantó nada más verlo: Roy Tyson.</div>
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<br /></div>
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Roy Tyson es el creador del proyecto Roy's People, donde gracias a una gran creatividad, imaginación y por qué no, mucho sentido del humor, crea unas instalaciones que capta en sus fotografías ayudado del medio que le rodea. </div>
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<br /></div>
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Los protagonistas de sus obras son figuras en miniatura que acopla con el paisaje creando situaciones únicas. Juega con la perspectiva y busca para cada diminuta figura un entorno adecuado que dé sentido a su forma. Por ello podemos encontrarnos desde un bañista regando una flor natural desde lo que para él es casi un precipicio, a unos cazadores apuntando con sus escopetas a un caracol. </div>
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Cada figura es pintada a mano por el artista y una vez dotada de color, Roy busca el escenario apropiado para ubicarla e inmortalizarla. Los títulos son muy importantes, ya que describen a la perfección la esencia de la obra y su significado. </div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhitFux7lhhKj_6Zy3OYPLtaqabv-6N54iagqHxV-c3oISw4UsTiUxiQkotSCVy-gb_Aq9Hd9EH8C7SDkGNpG3BnIZf2qXcj_rStSAoSbeq9o5dnppDQ6tf_MoU6RdKSscmL-Ge3hHLm4/s1600/CSI+Essex.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhitFux7lhhKj_6Zy3OYPLtaqabv-6N54iagqHxV-c3oISw4UsTiUxiQkotSCVy-gb_Aq9Hd9EH8C7SDkGNpG3BnIZf2qXcj_rStSAoSbeq9o5dnppDQ6tf_MoU6RdKSscmL-Ge3hHLm4/s1600/CSI+Essex.jpg" height="260" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>CSI Essex</i></td></tr>
</tbody></table>
<br />Basándose en sus composiciones con estas figuras, últimamente ha estado desarrollando su proyecto <i>Homeless </i>que podría clasificarse dentro de la vertiente de Arte Urbano, o más conocido como Street Art. En este proyecto Roy ha decidido sacar sus figuras a la calle donde esperan ser encontradas por los transeúntes.</div>
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<br /></div>
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El artista a través de su web nos presenta a las figuras que componen este proyecto, a las cuales ha dotado de un nombre y una historia y a los que convierte en gente sin hogar, como se llama el propio proyecto, puesto que los deja en la calle, sin protección alguna, pero sí con una nota explicativa colgada de ellos. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJ_HEhZ9S1_jLm5O5DrAXq_DVYYPZq2pPvchaSZBhy2eFMXHam2h8pqfk_V3sJqVPwshwpwJsn2EzAyJPHWz3C2oFTGxzF62L-3gwUpNWyHaJyErva3k70XubvgMl6m41WEtdDf-Y1hSc/s1600/The+Great+Tower.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJ_HEhZ9S1_jLm5O5DrAXq_DVYYPZq2pPvchaSZBhy2eFMXHam2h8pqfk_V3sJqVPwshwpwJsn2EzAyJPHWz3C2oFTGxzF62L-3gwUpNWyHaJyErva3k70XubvgMl6m41WEtdDf-Y1hSc/s1600/The+Great+Tower.jpg" height="320" width="236" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>The Great Tower</i></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
En su página web anuncia previamente en qué zonas los va a dejar, para que a aquellos que los interesen y estén por la zona, traten de buscarlos y pide tan solo que le avisen cuando los encuentren. Es una forma muy directa de contactar con sus receptores a los que introduce en su propio juego artístico, pasando a formar parte activa de su creación. Es un juego entre el propio creador y el público.</div>
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<br /></div>
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Si estáis por Londres en Febrero, habrá nuevas figuras esperandoós en la zona de Covent Garden. </div>
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En su página web podéis encontrar todos los detalles sobre su obra y sus proyectos, si tenéis Facebook no dudéis en seguirlo, ahí también podréis encontrar todas sus novedades:</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.royspeople.com/" target="_blank">Roy's People web</a> (fuente fotografías)</div>
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<a href="https://www.facebook.com/pages/Roys-People/554020507964710" target="_blank">Roy's People Facebook</a><br />
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<br />CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-73891384577316161562014-01-19T19:05:00.001+00:002014-01-19T19:05:43.926+00:00Affordable Art Fair<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy quiero hablaros de una feria de arte que visité hace unos meses y me pareció muy interesante, la Affordable Art Fair. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSVw0Yvn2kh3sSvxoeieMY9xLPttfPfCgg0yaFQNQyruTqKq-BxmkRzLkS8Ug4d00p_WErmKJKAIDhHwAWuXmQA7ovrGo5VLaABg_hp3yFhPPLSqJ81Ph4kpCt3JZ7x_HbcrMdbKIXebc/s1600/affordable+art+fair.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSVw0Yvn2kh3sSvxoeieMY9xLPttfPfCgg0yaFQNQyruTqKq-BxmkRzLkS8Ug4d00p_WErmKJKAIDhHwAWuXmQA7ovrGo5VLaABg_hp3yFhPPLSqJ81Ph4kpCt3JZ7x_HbcrMdbKIXebc/s1600/affordable+art+fair.jpg" height="200" width="200" /></a>Esta feria se creó en 1999 por Will Ramsay en Londres y debido a su rápido éxito entre el público a lo largo de estos años, hoy en día se celebra en numerosas ciudades en todo el mundo: Estocolmo, Nueva York, México DF, Amsterdam, Seatle, Hamburgo, Singapur, Bruselas, Milán, Hong Kong, Maastricht y Toronto.</div>
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El objetivo de esta feria, es acercar el arte a todo el mundo y por ello, tan solo muestra obras cuyos precios oscilen entre las 40 y las 4.000 libras (en el caso inglés). De esta forma todo aquel que esté interesado en comprar arte, puede hacerlo por precios asequibles, que siempre están indicados en la cartela de cada pieza. Precisamente estos precios económicos son los que la diferencian de otras ferias, ya que normalemente las noticias que suelen destacar son las elevadas cantidades que algún coleccionista, por lo general anónimo, se gasta en alguna de las obras exhibidas.</div>
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En torno a la exposición, la organización ofrece diferentes actividades y conferencias relacionadas con el arte contemporáneo que ayuda a los interesados a sumergirse en el mundo artístico durante una semana. </div>
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En la feria que visité el pasado otoño, se podía disfrutar también de una exposición de recién graduados de diversas escuelas de arte inglesas, por lo que intentan descubrir talentos y así poder promocionarlos. </div>
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Os dejo el link de la feria por si queréis saber más sobre ella:</div>
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<a href="http://affordableartfair.com/battersea/">Affordable Art Fair</a></div>
CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-4563123197753682222014-01-12T20:00:00.001+00:002014-01-12T20:16:54.010+00:00Sueño<div style="text-align: justify;">
¡¡¡Feliz Año Nuevo!!! Entre uno de mis propósitos del 2014 está escribir más en el blog, la verdad es que los últimos meses del 2013 fueron un no parar total y por eso no di apenas señales de vida, pero intentaré enmendarlo.</div>
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En mi primer post de este año, quiero hablaros de uno de los regalos que recibí estas Navidades y fue el cuento <i>Sueño</i> de Haruki Murakami. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1XnyS1HdVZljbFyhkXfn5SD2xUSgvwb7JDrymPWHv_CdGbp7nPMkiPqNOa2hU26KHkJcFYRIih-c0XNkKChqKIIBouiBRq8YydorkecYgb6fETh7FafTZzS1D285kgSuc3g3H_KZZM8U/s1600/sue%C3%B1o+murakami.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1XnyS1HdVZljbFyhkXfn5SD2xUSgvwb7JDrymPWHv_CdGbp7nPMkiPqNOa2hU26KHkJcFYRIih-c0XNkKChqKIIBouiBRq8YydorkecYgb6fETh7FafTZzS1D285kgSuc3g3H_KZZM8U/s1600/sue%C3%B1o+murakami.jpg" height="320" width="219" /></a></div>
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A pesar de que este relato Murakami lo había escrito ya en 1990, no fue hasta finales del año pasado cuando se publicó por primera vez en España gracias a la editorial Zorro Rojo. </div>
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Este autor me ha gustado siempre mucho, pero este libro me ha encantado además por las ilustraciones que acompañaban la historia, que se convierten en protagonistas de la misma, al igual que lo hace el texto; ambas se complementan a la perfección. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTJr1o2SYE01dR_u24dPrHz5cMxng1a5up2TSxA01jp_exbPea6l_d32lQX05KYflwlA_uxLidBxdLn4BjREzfeiFI6NxLagLQIE9jQYXwRBW_YuKxGua5YnSLMpZRb5zgyGtXs8y5OWE/s1600/Zorro+rojo.png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTJr1o2SYE01dR_u24dPrHz5cMxng1a5up2TSxA01jp_exbPea6l_d32lQX05KYflwlA_uxLidBxdLn4BjREzfeiFI6NxLagLQIE9jQYXwRBW_YuKxGua5YnSLMpZRb5zgyGtXs8y5OWE/s1600/Zorro+rojo.png" height="320" width="211" /></a>La autora de estas imágenes es Kat Menshcik (Luckenwalde, 1968) una reconocida ilustradora alemana. En los 90 cofundó la editorial Millionen. Desde hace años trabaja como colaboradora habitual de numerosas revistas y ha ilustrado muchas obras literarias, entre sus trabajos más famosos se encuentran sus colaboraciones para algunos libros del famoso escritor nipón, Murakami.</div>
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El relato habla sobre el insomnio que sufre una madre de familia japonesa durante un par de semanas y las puertas que le abren estas nuevas horas del día/noche, pero como no quiero desvelaros la historia, os dejo el booktrailer del mismo por si os animáis a leerlo:</div>
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<a href="http://www.youtube.com/watch?v=TUbbK0sFCTs">Sueño. Haruki Murakami y Kat Menshcik</a></div>
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Fuente fotografías: <a href="http://librosdelzorrorojo.blogspot.co.uk/">Libros del Zorro Rojo</a></div>
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<br />CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-53755088850062224622013-10-20T22:19:00.003+01:002013-10-21T13:37:00.374+01:00Factory Girl<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy quiero hablaros de una película que he visto hace poco: <i>Factory Girl</i>. Dirigida por George Hickenlooper en el año 2006, habla de la vida de Edie Sedgwick (Santa Bárbara, California, 1943-1971) interpretada por la británica Sienna Miller.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKdlg6TcllDTnsig0WfqDS6Fx1NXWBRnm9wdetfL0Q1T_fkhqhU3_ZFU8eXJ8UseU3WOWn1ZGDYyJDDF4xtRZ18katxZDdix57pLLy70sUOWklASWPmZpzLl3ryssxQqy0Sh9rvIAT6k/s1600/Eddie+y+Warhol.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKdlg6TcllDTnsig0WfqDS6Fx1NXWBRnm9wdetfL0Q1T_fkhqhU3_ZFU8eXJ8UseU3WOWn1ZGDYyJDDF4xtRZ18katxZDdix57pLLy70sUOWklASWPmZpzLl3ryssxQqy0Sh9rvIAT6k/s320/Eddie+y+Warhol.jpg" width="256" /></a>Edie fue musa de Andy Warhol, participó en numerosas películas suyas y era una de las habituales en el estudio del artista, The Factory.<br />
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Aunque la verdad es que el film me dejó con una mala sensación, ya que las cosas no le van muy bien a Edie según avanza su vida, me pareció muy interesante y me mostró partes de la historia del arte contemporáneo de aquella época que desconocía.<br />
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Edie Sedgwick, pertenecía a una familia adinerada americana. En 1963 se mudó de California a Nueva York y pronto contactó con el mundo artístico e la ciudad. Gozó de mucha fama en la década de los 60 y fue una de las "Superstar" de Warhol, al que acompañaba a todo tipo de eventos y con el que era fotografiada a menudo. Sin embargo, Edie comenzó a consumir sustancias ilegales y este mundo de adicciones acabó por destruirla. Esto precisamente es lo que cuenta la película: su amistad con Warhol, su fama y su descenso a los infiernos y su total autodestrucción.<br />
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La película también habla sobre el supuesto romance que tuvo la protagonista con un famoso cantante de la época, al que aunque no llegan a nombrar, se cree que fue Bob Dylan.<br />
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Edie Sedgwick fue considerada un icono Pop, al igual que el resto de creaciones de Warhol y tanto en aquel entonces como hoy en día, es todo un referente de la moda.<br />
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Aquí os dejo el tráiler por si os animáis a ver la película:<br />
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/dofdqP8CaU0?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-44404161490528688962013-10-06T21:57:00.000+01:002013-10-07T10:34:18.743+01:00Phil Shaw<div style="text-align: justify;">
Hace unos meses recibí una invitación para ir a una feria de antigüedades en Londres, <a href="http://www.lapada.org/" target="_blank">Lapada</a>, como nunca antes había estado en ninguna feria de este tipo y vivo cerca, decidí ir y he de admitir que me gustó mucho. La feria estaba muy bien organizada y pude ver obras realmente interesantes. </div>
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Entre todas ellas, debo destacar unas piezas que me gustaron mucho, sobre todo gracias a la explicación del señor que trabajaba en la galería Rebecca Hossack, ya que muy amablemente y por iniciativa propia, nos explicó la obra de un artista que tenían expuesto en su stand al vernos parados frente a sus obras. El artista se llama Phil Shaw y el señor que nos ayudó a entender mejor estas obras se llamaba Matthew. </div>
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Phil Shaw es un artista inglés, especializado en grabado y actualmente profesor de esta técnica en la Universidad de Middlesex de Londres. </div>
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En las obras que pude ver expuestas en el stand de esta galería, todas ellas pertenecientes a la serie "Bookshelfs" (Estanterías), había una en especial que me encantó, por la idea de la pieza en sí y por el resultado final de la obra, muy agradable visualmente. Su obra se llamaba<i> Londonensi Subterraneis</i> y fue realizada en el 2012.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtW715PdQlBxaUEpOi4QIPWgtQhhpnjRlyQQIMv6vigQ6G-r5yXH_gZAUXxGHiFpmf91e_fZ_RFFFTApSKBi1HGnaSObPo4yUh3aAoHvIguSd5tzXto1RntI4vTD6R_k2yWGFkRoB9n00/s1600/Imagen+Metro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="523" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtW715PdQlBxaUEpOi4QIPWgtQhhpnjRlyQQIMv6vigQ6G-r5yXH_gZAUXxGHiFpmf91e_fZ_RFFFTApSKBi1HGnaSObPo4yUh3aAoHvIguSd5tzXto1RntI4vTD6R_k2yWGFkRoB9n00/s640/Imagen+Metro.jpg" width="640" /></a></div>
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En esa obra el autor, se basó en el plano de metro de Londres y a partir de sus colores y de los nombres de sus estaciones, buscó un libro en el que el título incluyese el nombre de cada parada y los colocó por orden en una estantería. El nombre de los libros siempre es el genuino, no puede realizar ninguna modificación en el mismo, por lo que la tarea fue realmente laboriosa. Pero no solo eso fue su reto, sino que también el color del libro debía coincidir con el color de la línea del metro, realizando estanterías diferenciadas por colores. Los libros a su vez debían tener aproximadamente las mismas dimensiones. El resultado final es el que podéis ver en la imagen superior. </div>
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Como dato curioso, este año coincidiendo que al Reino Unido le toca presidir y organiza el G8, David Cameron ha encargado a Phil Shaw la tarea de realizar una obra para cada uno de los ocho miembros de esta asamblea. El autor ha realizado nuevos grabados relacionados con direcciones y problemas que conciernen al G8 expuestas en sus famosas estanterías, la obras forman parte de "The Group of Eight". </div>
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Página web del artista: <a href="http://www.philshawonline.com/" target="_blank">Phil Shaw</a> </div>
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Fuente fotografía: <a href="http://www.rebeccahossack.com/" target="_blank">Rebecca Hossack gallery</a></div>
CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-16291662075769785452013-09-22T20:48:00.002+01:002013-09-22T23:05:36.659+01:00Miler Lagos<div style="text-align: justify;">
Hoy quiero hablaros de un artista que descubrí hace tan solo unas semanas: Miler Lagos (Bogotá, 1973). </div>
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Miler Lagos, estudió Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Colombia e Ingeniería Mecánica en la Universidad de América. Ha participado en numerosas exposiciones en toda América y también ha expuesto sus obras en Alemania e Inglaterra. </div>
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En el post de hoy nos acercaremos al interesante proyecto que realizó en el año 2012, y que formó parte de la exposición "Escapando con el paisaje" mostrada en la galería Luz y Oficios de la Habana.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFoxonsfwhYN3kLFi2SX16TzBQlOufMki9t8lPkJS8ol2RYSeryiQGwVUg14TlOy46ieATN-HAGDW54hNf3ALi0xXge3853FAQhfShU52hzaHenVL-_Df8XH09uy1blaNPXpD5v6V55vI/s1600/Foto+1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFoxonsfwhYN3kLFi2SX16TzBQlOufMki9t8lPkJS8ol2RYSeryiQGwVUg14TlOy46ieATN-HAGDW54hNf3ALi0xXge3853FAQhfShU52hzaHenVL-_Df8XH09uy1blaNPXpD5v6V55vI/s320/Foto+1.jpg" width="212" /></a></div>
La exhibición se realizó coincidiedo con la 11ª Edición de la Bienal de La Habana, y en la exposición se podían ver las obras de varios artistas colombianos y cubanos.</div>
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Las obras que presentó Miles Lagos se correspondian con numerosos edificios de la capital cubana en la que las plantas tenían una importancia muy especial, ya que cubrían parte de su fachada, dándole una gran importancia a la identidad del edificio. </div>
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Los árboles analizados se encontraban en una franja específica de la ciudad y el artista los estudiaba y clasificaba in situ, dándoles una identidad y recalcando su función integradora en el paisaje. La mayoría de estas plantas ocupaban los espacios de edificios abandonados por el hombre y poblados ahora por la vegetación.</div>
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Miler Lagos había realizado un análisis similar en Valparaíso, Chile, en el año 2010, mostrando la influencia de la colonización humana en el paisaje de una ciudad, ya que muchos de estas plantas procedían de otras culturas, y habían llegado a Valparaíso a través de la emigración, en una especie de globalización vegetal.</div>
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Si os interesa la obra de este creador, no dudéis en visitar su página web donde podréis conocer sus numerosos proyectos: <a href="http://milerlagos.com/proyectos/" target="_blank">Miler Lagos website</a>.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghKrnZqxhR9NlRLl3H1Xw7CXXUMZCO4FAYnTA-ujzj3j8T2l4QRcJfMlNVg8NaBcc7b2s3LBRJqM7Aldgnji0XXg2B0S9taqs2jAIRYKjQv9ZwflNizJEZqDEIsOkPlKz6NTGYURsKeC4/s1600/Foto+2.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghKrnZqxhR9NlRLl3H1Xw7CXXUMZCO4FAYnTA-ujzj3j8T2l4QRcJfMlNVg8NaBcc7b2s3LBRJqM7Aldgnji0XXg2B0S9taqs2jAIRYKjQv9ZwflNizJEZqDEIsOkPlKz6NTGYURsKeC4/s320/Foto+2.png" width="222" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjb4Sc-vXC4gg4LnrgBvpNaKZOV7uYdn8VzcCGqYtRvGbYFIb94M9oWpxq9gX_TL3XOX3BNCz81svnO-FYEj9BdODIdn6m9Om497edUUuWw5esyDDVPaUnTBVAC1ZGx_9K1hBje6_bfBco/s1600/Vista+en+planta+2.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
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Fuentes de las fotografías: <a href="http://milerlagos.com/proyectos/" target="_blank">Miler Lagos</a></div>
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CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-50953217226610186442013-09-01T19:41:00.002+01:002013-09-01T22:07:15.105+01:00The Pharmacy de Damien Hirst<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy quiero hablaros de una "obra" del archifamoso artista inglés Damien Hirst. </div>
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Damien Hirst (Bristol, 1965) es uno de los creadores contemporáneos más importantes del momento. Es el más conocido de los Young British Artists (jóvenes artistas británicos) y sus obras han alcanzado precios inauditos, teniendo en cuenta que se trata de las creaciones de un artista vivo. </div>
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Su obra más famosa<i> La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo,</i> fue vendida por 12 millones de dólares. Algo que revolucionó por completo el mercado del arte y llevó a muchos a plantearse el significado real del arte contemporáneo, al tratarse de una obra conceptual, basada en un tiburón conservado en formol y expuesto en una gran pecera. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCtgMVR9iMX0XIqEx8ZT5wS4Q8zK4ufzLaS4ZOFexKOtUG3LDSfFtgbB4oe88rtQ35b8NCxS6ozzXWGkdkqUTrZmIG5ThArrMDbI5bCKic5cCN4nRZ0zt48Ky3cvgMVpqJltJAmg_LRh4/s1600/1299329278448tiburondn.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCtgMVR9iMX0XIqEx8ZT5wS4Q8zK4ufzLaS4ZOFexKOtUG3LDSfFtgbB4oe88rtQ35b8NCxS6ozzXWGkdkqUTrZmIG5ThArrMDbI5bCKic5cCN4nRZ0zt48Ky3cvgMVpqJltJAmg_LRh4/s400/1299329278448tiburondn.jpg" width="400" /></a></div>
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A pesar de que Hirst tiene obras mucho más famosas, hoy quiero hablaros de un proyecto que desarrolló durante varios años, vinculado directamente con el mundo del arte y el mundo del ocio. </div>
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En el año 1997, Damien Hirst junto a sus amigos Jonahthan Kennedy y Matthew Freud abrieron en el barrio londinense de Nothing Hill un restaurante llamado Pharmacy (Farmacia), el local estaba decorado por obras de Hirst y a su vez en su interior el artista creo muchas esculturas vinculadas con el mundo de la farmacia. La temática del restaurante estaba relacionada con una obra de Hirst realizada en el año 1992, en la que en una sala de la Galería Cohen de Nueva York, había realizado una instalación, recreando una verdadera farmacia.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUU1d0e6yqpFLpLCeDWjPk8aSypfTulmJpd9LpnAbR2hBDNpgHxUiR645qirINN54XOgWYQQyuE0LMWf-BbM_6idld_LxrinDXmDwvq-jfOQIaHQEI5LP5yc5RGJoQOBUje629XX7rugU/s1600/soth_view2.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUU1d0e6yqpFLpLCeDWjPk8aSypfTulmJpd9LpnAbR2hBDNpgHxUiR645qirINN54XOgWYQQyuE0LMWf-BbM_6idld_LxrinDXmDwvq-jfOQIaHQEI5LP5yc5RGJoQOBUje629XX7rugU/s400/soth_view2.jpeg" width="400" /></a></div>
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El local a pesar de ser visitado por todo tipo de personalidades y gozar de cierta fama, no fue muy rentable y cerró sus puertas en el año 2003. Lo curioso del caso, es que coincidiendo con su cierre, la famosa casa de subastas Sotheby's se interesó por el material del local y tras llegar a un acuerdo con el artista, lo vendió en una subasta por la que ganaron 11.1 millones de libras. El material inicialmente tenía un valor estimado de 3 millones de libras, por lo que la subasta fue todo un éxito de ventas. Es significativo el hecho de que se ganó más en la venta de estas piezas, que todo lo que se había recaudado en el local en los 6 años de actividad del restaurante.</div>
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Fuentes fotografías: <a href="http://www.publico.es/" target="_blank">Público</a>,<a href="http://ifitshipitshere.blogspot.co.uk/" target="_blank">If It's a Hip,It' s Here</a></div>
<br />CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-69642568451704266262013-08-25T20:32:00.001+01:002013-08-27T13:29:54.057+01:00Yuken Teruya<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy me gustaría hablaros de un artista japonés, cuyo trabajo descubrí hace apenas una semana en una muestra colectiva en la galería Saatchi londinense. </div>
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Yuken Teruya (Okinawa, 1973) estudió arte en Tokyo y en Nueva York y desde entonces no ha parado de exponer sus obras en galerías y museos de todo el mundo. Aunque ha participado en numerosos proyectos, hoy quiero hablaros en especial de una de sus series: <i>Notice Forest</i>. De cualquier manera, si os interesa descubrir más sobre sus obras, podéis visitar su web <a href="http://www.yukenteruyastudio.com/" target="_blank">Yuken Teruya website</a> donde podréis ver todo su trabajo.<br />
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Yuken Teruya, usa en la mayoría de sus obras el papel como protagonista. Generalmente lo recicla, utilizando materiales ya existentes, para modificarlos y crear a partir de ellos, una obra nueva. Todo sirve: cajas de pizza, rollos de papel higiénico, anuncios publicitarios o en el caso de esta serie: bolsas de papel de todo tipo. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG8jGRWWQcbyvkHCUGzCFvSwnpAEJ_c4oWIVjQZUhsdIwCd_Bsp1z4Ovf54d0ivVr6BdLJoe-UXMmCi89URiGpyR2IUxCImz6jcHHrpKLYWcDYU74LESOM9a8Ku4-wN84D74NN_0PJIdw/s1600/download+(2).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG8jGRWWQcbyvkHCUGzCFvSwnpAEJ_c4oWIVjQZUhsdIwCd_Bsp1z4Ovf54d0ivVr6BdLJoe-UXMmCi89URiGpyR2IUxCImz6jcHHrpKLYWcDYU74LESOM9a8Ku4-wN84D74NN_0PJIdw/s320/download+(2).jpg" width="213" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5vTIZavY2InTqc3mk6Gh_bqnhH5LoM9OIprk-kYEdFsGdIqPZN5xEZXTSo5nXzRr2hYtv1LpdgCZDVZM47WXNK1BDcYx2ieiVANjk9Q6RIQZfsPiWsDrpqZL_d5PowafMm_61fseO4aY/s1600/download+(1).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5vTIZavY2InTqc3mk6Gh_bqnhH5LoM9OIprk-kYEdFsGdIqPZN5xEZXTSo5nXzRr2hYtv1LpdgCZDVZM47WXNK1BDcYx2ieiVANjk9Q6RIQZfsPiWsDrpqZL_d5PowafMm_61fseO4aY/s320/download+(1).jpg" width="213" /></a></div>
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En <i>Notice Forest</i>, utiliza tanto bolsas de grandes marcas, como bolsas de restaurantes de Fast Food, el único requisito es que sean siempre de papel, haciendo que la bolsa que estaba destinada al olvido absoluto, se convierta en una pieza admirada de museo. Una vez elegida la bolsa, gracias a un elaborado trabajo de precisión, reconstruye unos árboles 3D, en el interior de la misma. Es casi un trabajo de origami; dominando con un control absoluto la técnica, consigue crear delicadas figuras vegetales en el interior de las bolsas. La obra final se presenta de forma teatral, siendo el árbol el protagonista total de la pieza, al estar enmarcado dentro de los límites físicos de la bolsa, creando de esa forma un escenario expositivo.</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfiU7hzH3KqGBrV1WGmqqwMWmUfoPbAo4a0cykIoPy2YGowFH7CPiumE4v09nuiFL94ErB6NE5OCsrN-GznAFNP6k9filWFnu4W1tE5Z3yrrT7LNKK0r33_IoXJ2Dmwu36CjQIRN4_TF4/s1600/download.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfiU7hzH3KqGBrV1WGmqqwMWmUfoPbAo4a0cykIoPy2YGowFH7CPiumE4v09nuiFL94ErB6NE5OCsrN-GznAFNP6k9filWFnu4W1tE5Z3yrrT7LNKK0r33_IoXJ2Dmwu36CjQIRN4_TF4/s400/download.jpg" width="267" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><br /></td></tr>
</tbody></table>
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Todos sus árboles se desarrollan siempre basándose en un modelo. El artista primero selecciona uno de su interés, para después plasmarlo posteriormente en sus obras. El papel es la esencia de la obra, nos habla de su procedencia de los árboles y a su vez lo reutiliza para realizar sus creaciones, mostrando respeto en todo momento por la naturaleza y por los bosques que dan nombre a esta serie en concreto.</div>
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Fuente Fotografías: GTT.</div>
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CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-24419525029614236532013-08-18T22:02:00.004+01:002013-08-18T22:02:44.280+01:00Richard Serra y Tilted Arc<div style="text-align: justify;">
Richard Serra (San Francisco, 1939) es un famoso escultor minimalista que en el año 2010 fue premiado con el Premio Príncipe de Asturias y sus obras forman parte de numerosas colecciones y museos, entre otros, de la permanente del Museo Guggenheim de Bilbao.</div>
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Aunque se podrían escribir varios post acerca de este artista, hoy quiero hablaros de una de sus obras: <i>Tilted </i><i>Arc </i>y la polémica que creó en la ciudad de Nueva York.</div>
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<i>Tilted Arc</i> fue realizada en el año 1982 e instalada en la ciudad neoyorkina en la plaza Foley, la obra se la había encargado la propia Administración de los Estados Unidos, que a su vez pasarían a ser los dueños de la pieza. A la hora de entender el caso hay que tener en cuenta que Richard Serra ya era un artista famoso y con una gran reputación en la época. La obra le costó al Estado 175.000$.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFTCaVFkhSAQfLdBW8Ckx-TDej3vaPQtT5EbN14_CaJpMVJRpee_zegNGmmUq-avkhHrFswGePnsxYIf6IQgs06ovj_eiJ7hAFuyb3ceKyKNbWd8kg9xHjMMvcSvxI-NnCorlVs5ng5gE/s1600/tilted+arc.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFTCaVFkhSAQfLdBW8Ckx-TDej3vaPQtT5EbN14_CaJpMVJRpee_zegNGmmUq-avkhHrFswGePnsxYIf6IQgs06ovj_eiJ7hAFuyb3ceKyKNbWd8kg9xHjMMvcSvxI-NnCorlVs5ng5gE/s640/tilted+arc.jpg" width="433" /></a></div>
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Serra a la hora de crearla, tuvo en cuenta el lugar donde se iba a ubicar y por ello realizó una pieza en la que el espectador descubría nuevas visiones de la misma según paseaba por la plaza. Las dimensiones eran muy grandes: más de 36 metros de ancha por unos casi 4 metros de altura, lo que dividía a la plaza en dos partes. El material usado era el acero corten, habitual en las obras de Serra, y la plancha estaba ligeramente curvada jugando con el espacio de la plaza.</div>
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El problema surgió cuando los trabajadores del edificio de enfrente de la obra, la rechazaron por completo, llegando a firmar infinidad de peticiones para que la quitasen de su ubicación, puesto que alegaban que afectaba a sus vidas negativamente, y empeoraba la situación de la plaza, atrayendo, según sus relatos a grafiteros, ratas e incluso delincuentes y considerando la propia escultura como una cicatriz en el corazón de la transitada plaza.</div>
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Finalmente el Estado decidió desmontar la obra lo que llevó a Serra a los Tribunales, siendo este uno de los juicios sobre arte más famosos de la historia, muchas personas testificaron a favor, entre ellos los famosos artistas Keith Urban o Claes Oldenburg, pero otras muchas lo hicieron en su contra y pidieron la eliminación de la obra de la plaza, sobre todo trabajadores del edificio, que eran quienes convivían con la obra a diario.</div>
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Tras una gran batalla legal, se decidió quitar la obra de su ubicación, cortándola en tres piezas; actualmente se encuentra en un almacén guardada. Esta decisión generó mucha polémica a su vez, entre los defensores del mundo del arte, y disgustó enormemente al artista, al identificar esta acción con la destrucción total de su obra, puesto que entendía que al haberla creado inicialmente para un sitio específico, sacarla de esa ubicación significaba la destrucción de la misma.</div>
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Fuentes fotografía: <a href="http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/gallery-lost-art-richard-serra" target="_blank">Tate UK</a>CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-71546268382444269012013-08-04T22:07:00.000+01:002013-08-05T13:49:36.443+01:00Amalia Avia<div style="text-align: justify;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaiW0UTLNtOfE8VBL4UlQNhB7Fje8uCRpsi6IHT4htNfJ5eZuOnKpjwq4zWKHgbwp18gAiPv57y42G9DevqsunrgAJmhggbDzql-FQ3QOUmoRlKgUnvElR9MlfU7IvPvWXzOWxB7r-s_Y/s1600/Amalia+Avia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaiW0UTLNtOfE8VBL4UlQNhB7Fje8uCRpsi6IHT4htNfJ5eZuOnKpjwq4zWKHgbwp18gAiPv57y42G9DevqsunrgAJmhggbDzql-FQ3QOUmoRlKgUnvElR9MlfU7IvPvWXzOWxB7r-s_Y/s400/Amalia+Avia.jpg" width="246" /></a></div>
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Hace unos años, me regalaron un libro de la pintora Amalia Avia (1930-2011) y aunque su nombre no me resultaba familiar, desde la primera página me enganchó y lo leí del tirón.</div>
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La artista, autora también del libro, contaba en primera persona las diferentes etapas de su vida, una juventud marcada por la guerra civil española y por la posguerra y posteriormente en su etapa adulta centrada más en el mundo del arte. A lo largo de sus memorias nos invita a conocerla y a su vez nos ayuda a entender toda una época artística española, ya que fue esposa del famoso pintor Lucio Muñoz y gran amiga del pintor Antonio López.</div>
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Amalia Avia, fue una pintora realista, en la mayoría de sus obras la ciudad de Madrid fue su principal referencia. Aunque nació en un pueblo toledano, Santa Cruz de la Zarza, la mayor parte de su vida la pasó en la capital española.<br />
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Amalia Avia entró en contacto con el mundo del arte en el estudio madrileño de Eduardo Peña en los años 50 y desde entonces no paró de pintar. Varias galerías de la capital la representaron, aunque la galería Juan Gris fue con la que más trabajó. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOU_l6LJQ327RIXpKqWZv0Bf80v_JnNWLSbe2DAEuatNEZ64egcIws8Djubn4ZpcagV0iQgHrYnx4kCWHo4E6RKWAtlnj5onzpjSJ32wRzp4Uoj8A6blgZxKzoUrXW8n1FUSh_ppA3Qik/s1600/Despacho+de+leche.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="281" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOU_l6LJQ327RIXpKqWZv0Bf80v_JnNWLSbe2DAEuatNEZ64egcIws8Djubn4ZpcagV0iQgHrYnx4kCWHo4E6RKWAtlnj5onzpjSJ32wRzp4Uoj8A6blgZxKzoUrXW8n1FUSh_ppA3Qik/s320/Despacho+de+leche.jpg" width="320" /></a>En sus pinturas predominan los tonos oscuros y ocres, no buscaba lo bello sino lo corriente, en sus trabajos podía verse cómo el paso del tiempo había afectado a los lugares comunes que representaba y los convertía en los protagonistas absolutos de sus obras. Una puerta desconchada, o un edificio viejo o una antigua tienda de ultramarinos podían ser el tema de cualquiera de sus obras, temas cotidianos y localizaciones corrientes poblaban sus lienzos.</div>
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En muchas de sus obras no aparece el ser humano, aunque su huella siempre le interesó, la manera en la que el hombre ocupa los lugares o el efecto de sus acciones en el espacio. <span style="text-align: center;"> </span>Cuando la figura humana aparecía podía representarla de espaldas, le interesaba las vidas anónimas más que el propio retrato realista.</div>
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En el año 1997 el Centro Cultural de la Villa de Madrid le dedicó una exposición antológica de su obra, aunque en mi opinión Amalia Avia no es aún tan conocida como debería. Si tenéis la oportunidad leed sus Memorias ya que descubriréis a una gran pintora con muchas cosas que decir tanto a través de sus pinturas como a través de sus palabras. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvCPgWIGaO2U3hjFclvXm_wIk-Jey9cno3p0SgQOHtdZfLFhJd9MTXvXvluDtXthi6ZBL4EBtMdowLdaHu0emFV6snAlXZ4ouOWrJYCvN7NsdXN4Ui2gmh3lwhndwE1PQAvcWqzcM8wPY/s1600/El+Viaje.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvCPgWIGaO2U3hjFclvXm_wIk-Jey9cno3p0SgQOHtdZfLFhJd9MTXvXvluDtXthi6ZBL4EBtMdowLdaHu0emFV6snAlXZ4ouOWrJYCvN7NsdXN4Ui2gmh3lwhndwE1PQAvcWqzcM8wPY/s320/El+Viaje.jpg" width="240" /></a></div>
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<i>El Viaje</i>, 1985</div>
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Fuentes fotografía: <a href="http://www.editorialtaurus.com/es/libro/de-puertas-adentro/" target="_blank">Editorial Taurus</a>, <a href="http://www.elmundo.es/" target="_blank">El Mundo</a>, <a href="http://www.artespain.com/" target="_blank">Artespain</a></div>
CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-10463760048843136572013-07-07T22:17:00.001+01:002013-07-07T22:35:35.614+01:00Midnight in Paris<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy me gustaría hablaros de una película que he visto hace poco y que me ha gustado mucho por la temática que abordaba. Se trata de Midnight in Paris del famoso director Woody Allen. La película ganó el Oscar en el 2011 al mejor guión original y recibió otras tres nominaciones a mejor película, dirección artística y director.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2MMPcMXkbjxW8fW83eoiQJXIcyYwRc0Pyh-U_taWHVq5vvEM0Tw2ay9sxFxzMmO-h4MEWvc_66jZntlLCBxjDP_wv5x_bBHPKPGtDERPFSygv72zfcX_bW9RQfGqpHLHwfPcO499aQ5w/s1600/Midnigh+in+Paris.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2MMPcMXkbjxW8fW83eoiQJXIcyYwRc0Pyh-U_taWHVq5vvEM0Tw2ay9sxFxzMmO-h4MEWvc_66jZntlLCBxjDP_wv5x_bBHPKPGtDERPFSygv72zfcX_bW9RQfGqpHLHwfPcO499aQ5w/s1600/Midnigh+in+Paris.jpg" height="400" width="270" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Para los que no la hayais visto, no os preocupéis que voy a intentar no destripárosla, por si os animáis a verla. Pero os la recomendaría si os apetece ver una película entretenida, en el que la ciudad de París es la protagonista. </div>
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A mi en concreto lo que me atrajo especialmente de la película y por ello quería hablar hoy sobre ella, son los momentos en los que el protagonista, Owen Wilson, se teletransporta a otras épocas de gran influencia artística de la capital francesa.</div>
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Los primeros viajes los realiza siempre a la década de los años 20 parisinos, donde se encuentra con todo el círculo artísitco de la ciudad: Pablo Picasso, Dalí, Buñuel, F.Scott Fitzgerald y su mujer Zelda, Ernest Hemingway, Jean Cocteau, Gertrude Stein...</div>
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En su último viaje, se va directo a la época del Belle Epoque parisina, 1880 y se encuentra en la misma mesa con Toulouse Lautrec, Paul Gauguin y Edgar Degas.</div>
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La película trata después otros temas, pero a mi en concreto me encanta esas referencias a otros períodos, y me gusta imaginarme cómo una persona en el siglo XXI reaccionaría al verse en tal situación. Siempre me ha parecido muy interesante estas relaciones de artistas en el pasado y justo la de París en concreto y toda la vida cultural de la ciudad a finales del siglo y primeras décadas del siglo XX creo que es de las más importantes en la historia del arte, ya que investigando un poco, te das cuenta que todos los artistas se conocían, y que incluso las obras de unos tenían mucha influencia en las obras de otros, o los vínculos de amistad-odio existentes entre ellos. </div>
<span id="goog_672474800"></span><span id="goog_672474801"></span><br />
Os dejo el link con el trailer para que veais mejor de qué trata la película, por si os apetece verla.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/bKLXPusVlME?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<br />CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-21950202268245819812013-06-16T19:21:00.000+01:002013-06-16T22:08:11.406+01:00Alexander Korzer-Robinson<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy os voy a hablar de un artista, cuya obra descubrí hace unos meses en London Art Fair.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNDVHJ-uFej6jbsgBD-YjtMRJlSXsFJtNGozqIEd85XMSnYSAcWmQrG0RWn9JYnhPlQaLY9kKuJ0feemu7Iq9wSyJ-FH16ht_kpw0FgF06qv17Jn4z0S_KZl7rewu3kkr80GFrZE-FkLk/s1600/284759_habitat.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNDVHJ-uFej6jbsgBD-YjtMRJlSXsFJtNGozqIEd85XMSnYSAcWmQrG0RWn9JYnhPlQaLY9kKuJ0feemu7Iq9wSyJ-FH16ht_kpw0FgF06qv17Jn4z0S_KZl7rewu3kkr80GFrZE-FkLk/s1600/284759_habitat.jpg" height="320" width="228" /></a><br />
Alexander Korzer-Robinson es un creador de origen alemán que vive y trabaja en Bristol. Sus estudios iniciales estuvieron relacionados con el mundo de la psicología aunque posteriormente enfocó su carrera hacia el mundo del arte. Varias galerías inglesas lo representan y ha participado en los últimos años en numerosas ferias internacionales y ha visto expuesta su obra en diversas exposiciones individuales. </div>
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La orginalidad de su arte reside en que Alexander lleva a cabo sus obras en el interior de libros antiguos. Visita con frecuencia negocios de anticuarios, donde escoge los libros que más le interesan para convertirlos posteriormente en su obra final. </div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZWHqlG2UtCLhyphenhyphenmsOITTwOv8AsVW1a2hh0dcuaC9TT_qNwJM4BUIiPujXs7MHzwTk5039JKw_XTjG7Khd0L3cecqJjO2Mp1exkVoZWQTNmLJH7O2P6ZY3GNvuGsKfYi_OWZUyDNxGZiF4/s1600/406213_springers-kunstgeschichte-1913.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWx9b1upDQo35BflOJjzf_O_TWCXCisArCaq9zinpqHDgIbc95AYmtPFwxyfJvwHCvYPD6Cr6XCnvvbiu54HzhSw2oyjdjP9JzR04G1sLE3DjnAT8pO1YNW2vxvpaSiy5iVWAcbdolE7A/s1600/362424_childhood-pattern-v.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWx9b1upDQo35BflOJjzf_O_TWCXCisArCaq9zinpqHDgIbc95AYmtPFwxyfJvwHCvYPD6Cr6XCnvvbiu54HzhSw2oyjdjP9JzR04G1sLE3DjnAT8pO1YNW2vxvpaSiy5iVWAcbdolE7A/s1600/362424_childhood-pattern-v.jpg" height="320" width="228" /></a>En sus piezas hace referencia constante a los recuerdos y la nostalgia, creando un escenario, cuyos límites son las propias medidas del libro.</div>
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Deconstruye el ejemplar, para hablar sobre las historias que cuenta en su interior. Generalmente usa tomos de enciclopedias y relaciona el contenido de los mismos con los personajes-elementos que aparecen en sus textos. A través de su lectura, elige las imágenes que más le interesan y las recorta para luego crear con ellas un collage tridimensional. El marco es el propio libro y en su interior coloca y distribuye todas las imágenes que nos cuentan la historia del libro, tal como el artista la entiende o la recuerda. Consigue que el libro en cuestión no caiga de nuevo en el olvido en el que se encontraba hasta que fue rescatado por el propio creador.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBZQchuX1txxG0iysb0q9AR42lzh8YDPUans2a1lgBuQVgsEZrFamUnNKPEIYBM5ceSIIQLh98iAg8f7gtS5DWjPTh4CVmEzJTY42w4nrfbqsaaxpwlg4iabc37m5UR4h-i1O0EURa15A/s1600/386302_the-illustrated-london-news-july---dec-1957.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBZQchuX1txxG0iysb0q9AR42lzh8YDPUans2a1lgBuQVgsEZrFamUnNKPEIYBM5ceSIIQLh98iAg8f7gtS5DWjPTh4CVmEzJTY42w4nrfbqsaaxpwlg4iabc37m5UR4h-i1O0EURa15A/s1600/386302_the-illustrated-london-news-july---dec-1957.jpg" height="320" width="230" /></a>Korzer-Robinson juega con la recuperación de la memoria y lo hace de una forma muy didáctica y sencilla, contándonos la trama resumida a través de las imágenes que ilustraban las historias. Como se suele decir "una imagen vale más que mil palabras" y lo mismo parece pensar el artista a la hora de llevar a cabo sus obras, en las que el contenido de los libros queda en un segundo plano siendo las imágenes las que sustituyen a las palabras. </div>
<br />
Si queréis conocer mejor la obra de este artista aquí no dudéis en visitad su página web: <a href="http://www.alexanderkorzerrobinson.co.uk/" target="_blank">Alexander Korzer-Robinson Book Sculptures</a> (Fuentes fotografías)<br />
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<br />CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-65764313103111223652013-06-09T22:31:00.002+01:002013-06-09T22:37:49.772+01:00Battersea Power Station<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy quiero hablaros de un edificio que habréis visto en muchas ocasiones y que a mi especialmente me encanta, es la Battersea Power Station.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKBvqzdGMHoeovTydMmsRPF3NxpQn0QVTWLJpAlXwko3A1dLrjv2EAUXBYlDhchuu9pdx1SaJbXE-N2vH11JuG5DMJuIY2pVtWDDYO5fbW6SkdhEBQsW2CJwGkY60tunXrcDarfD0C1QQ/s1600/IMAGE_291.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKBvqzdGMHoeovTydMmsRPF3NxpQn0QVTWLJpAlXwko3A1dLrjv2EAUXBYlDhchuu9pdx1SaJbXE-N2vH11JuG5DMJuIY2pVtWDDYO5fbW6SkdhEBQsW2CJwGkY60tunXrcDarfD0C1QQ/s1600/IMAGE_291.jpg" height="300" width="400" /></a>Esta central termoeléctrica, se encuentra en Londres, concretamente en el barrio de Battersea, situado en un lateral del río Támesis. A lo largo de su historia se ha convertido en un símbolo de la ciudad, gracias a su reconocida
fisionomía, con sus cuatro torres blancas, erigidas sobre el conjunto de
la fábrica. </div>
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Se creó en 1929 y desde el 1983 está en desuso, aunque se ha especulado mucho sobre su futuro. Uno de los últimos rumores es que la quiere adquirir el equipo de fútbol Chelsea para crear en su interior su estadio de fútbol, manteniendo su estructura. </div>
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El diseño del edificio recayó en el arquitecto y diseñador industrial Sir Giles Gilbert Scott, mundialmente conocido como el diseñador de las cabinas de teléfono rojas inglesas. Es el edificio de ladrillo mayor de Europa y estaba formado por dos estaciones diferentes, hechas simétricamente. La segunda de ellas, la estación B, fue construida después de la II Guerra Mundial y fue la última en cesar sus usos en el 1983, ya que la estación A cerró sus puertas en el año 1975. La fábrica se creo para poder proporcionar electricidad a la ciudad de Londres que se encontraba en pleno crecimiento y se convirtió en un ejemplo tecnológico de la época. </div>
</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW58FXasX4BNg0DpABhFB1i_Hb1LUHGu255DY0UkrSSfA5k9rqttpHvf6ROxjUZw_hdbnsQyqu9RGQRnyz239SVI-xya86MinHXEnv9yK9ELGsvP09eTBZOLYqEEUC5S2g7UIakHQ_Jfw/s1600/Pink_Floyd-Animals-Frontal.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW58FXasX4BNg0DpABhFB1i_Hb1LUHGu255DY0UkrSSfA5k9rqttpHvf6ROxjUZw_hdbnsQyqu9RGQRnyz239SVI-xya86MinHXEnv9yK9ELGsvP09eTBZOLYqEEUC5S2g7UIakHQ_Jfw/s1600/Pink_Floyd-Animals-Frontal.jpg" /></a>A lo largo de todos estos años la Battersea Power Station se ha convertido en uno de los símbolos de la ciudad y ha aparecido en numerosas películas, videoclips e incluso en la portada del disco de Pink Floyd "Animals" (1977) en el que se muestra la fábrica y sobre ella sobrevolando un globo relleno de helio con forma de cerdo realizado por el artista australiano Jeff Shaw en 1976. La imagen del animal encima de Battersea Power Station, apareció también en un vídeo de apertura de las Olimpiadas del año pasado, realizado por el director de cine Dany Boyle, donde se presentaban los puntos más famosos de la ciudad. </div>
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La fábrica ha aparecido a su vez en numerosas películas como en <i>Sabotaje</i> de Alfred Hitchcock o en <i>Dark Night</i> de la trilogía de Batman del director Christopher Nolan. </div>
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En la actualidad en los alrededores de la fábrica está el renovado parque de Battersea y hay un proyecto de construcción de numerosas viviendas que revitalizarán esta zona, a tan solo unos minutos de los famosos barrios de Chelsea y de Pimlico que se encuentran en la otra orilla del río Támesis.</div>
CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-27879048893769185212013-06-02T22:23:00.002+01:002013-06-03T10:42:24.164+01:00Giuseppe Penone<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy os quiero hablar de un artista italiano al que descubrí hace poco en una exposición en la galería londinense Whitechapel, muestra que permanecerá abierta hasta el mes de agosto.</div>
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Giuseppe Penone (Garessio, 1947). Es un artista italiano, hijo de campesinos y vinculado desde su infancia con el mundo de la naturaleza, se le ha relacionado desde sus primeras obras con el movimiento del arte povera. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Turín, donde conoció a Michelangelo Pisoletto y a Giovanni Anselmo quienes le introdujeron en la corriente povera. Posteriormente decidió volver a su pueblo natal donde abandonó los materiales comunes de la escultura, para trabajar directamente con los árboles y la naturaleza, materias primas relacionadas más con la artesanía que con el mundo del arte.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVC57hnAX3vzGF_tfr5YIDjLntWtuhPrRZ4SgAYnLizdw3s4vq_lAbHfy_ai6r9qSBHikQgPtnMp7rTZnhVHZV1m1LJSdGTE_uOa6Tp8gU-FATlsz4ZLT4LSAFDdCUHw7FiroFLk-1sDk/s1600/Giuseppe+Penone+the+hidden+life+within+1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="364" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVC57hnAX3vzGF_tfr5YIDjLntWtuhPrRZ4SgAYnLizdw3s4vq_lAbHfy_ai6r9qSBHikQgPtnMp7rTZnhVHZV1m1LJSdGTE_uOa6Tp8gU-FATlsz4ZLT4LSAFDdCUHw7FiroFLk-1sDk/s640/Giuseppe+Penone+the+hidden+life+within+1.jpg" width="640" /></a></div>
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Giuseppe Penone en pleno proceso creativo</div>
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Para Penone es esencial a la hora de llevar a cabo sus obras la relación que existe entre la naturaleza y el ser humano, especialmente entre los árboles y el hombre. Investiga la interacción existente entre ellos, profundizando en cómo el ser humano la modifica constantemente. A pesar de que sus esculturas son sus obras más famosas, debido también a
la momumentalidad de las mismas, su trabajo no se limita a éstas y
también realiza dibujos, performances en los bosques cercanos a su casa, y obras de body art en las que usa su propio cuerpo.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNCkrLHwMD4kIE5Q_DWV6dpFDf5wQMS_6Z4qR1ozsJ75TTA54J7K1R4ntjLVlBaF0niBCdCZW9cJHd_YH_9RyVeRVXvl7npGEh9ZYX_9PTTrkPMGrYd3O8P0xRCX9zemhTfKRqdCWnNkM/s1600/Young+Tree+Carved+Inside+Old+Tree.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNCkrLHwMD4kIE5Q_DWV6dpFDf5wQMS_6Z4qR1ozsJ75TTA54J7K1R4ntjLVlBaF0niBCdCZW9cJHd_YH_9RyVeRVXvl7npGEh9ZYX_9PTTrkPMGrYd3O8P0xRCX9zemhTfKRqdCWnNkM/s320/Young+Tree+Carved+Inside+Old+Tree.jpg" width="240" /></a></div>
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<i>Young Tree Carved Inside Old Tree</i></div>
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En cuanto a sus esculturas, trabaja directamente con la corteza y la madera de los árboles, hasta convertirlos en una obra en sí. La interacción del espectador con sus creaciones es un punto que valora mucho también a la hora de realizarlas. Éstas no son unas obras que se separen del espectador sino que éste debe acercarse y descubrir la transformación que se ha llevado a cabo en las mismas.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtngS_VDC95LOkHe-U7jWOj8fH8UcZs8PkE16gxGgZAq9-fe5UPdER7ILq-iLHYr-aE9H9x7yQw3My_Z1Tv3aLsJnWmc8azt_e3JPqJBrJmzPx7UdT72SqKT8eYDOkRcE9fDtSIcmACTA/s1600/Penone.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="250" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtngS_VDC95LOkHe-U7jWOj8fH8UcZs8PkE16gxGgZAq9-fe5UPdER7ILq-iLHYr-aE9H9x7yQw3My_Z1Tv3aLsJnWmc8azt_e3JPqJBrJmzPx7UdT72SqKT8eYDOkRcE9fDtSIcmACTA/s320/Penone.jpg" width="400" /></a></div>
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<i>Spazio di Luce</i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwJZ79gJBU4BVDXc8W2lo6CTheTdnKTYtxmVrH0qMCJfJo-acj6fgKz5fPaPelKuKHsPBE1W_Ap9M3tyI2nspUSo8s4793aWrjCprzUVDHmsHpG4hnTfZtSUgmiq7k8T4QOiUdUw7ck-o/s1600/6c67652196feba3f_the-bloomberg-commission-giuseppe-penone.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwJZ79gJBU4BVDXc8W2lo6CTheTdnKTYtxmVrH0qMCJfJo-acj6fgKz5fPaPelKuKHsPBE1W_Ap9M3tyI2nspUSo8s4793aWrjCprzUVDHmsHpG4hnTfZtSUgmiq7k8T4QOiUdUw7ck-o/s1600/6c67652196feba3f_the-bloomberg-commission-giuseppe-penone.jpg" /></a>La obra principal de la exposición que se puede ver en la Whitechapel, es un tronco de árbol modificado por Penone y convertido en una verdadera escultura. El interior está recubierto de una capa dorada, que nos remite al valor del árbol, comparándolo con cualquier joya valiosa. Además el artista juega hábilmente con la percepción del espectador ya que la escultura tiene diferentes visiones que el receptor va descubriendo según rodea la misma. Al final de la obra se puede mirar a modo de catalejo a través de la misma, desde su punto más extremo, descubriendo una figura circular dorada, una especie de caracol de oro, que nos sorprende al mostrarnos esta nueva visión que se esconde en el corazón del árbol. </div>
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<i> Spazio di Luce</i></div>
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Fuentes fotografías: <a href="http://milyspace.blogspot.co.uk/2011/02/giuseppe-penone_6947.html" target="_blank">Mily´s Art Blog</a>, <a href="http://ryksenn.blogspot.co.uk/2011_06_01_archive.html" target="_blank">Nature and Knowledge</a> and <a href="http://www.whitechapelgallery.org/" target="_blank">Whitechapel Gallery</a></div>
CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-32041458587360921572013-05-19T21:01:00.002+01:002013-05-20T10:44:45.514+01:00Estrujenbak<div style="text-align: justify;">
Muy buen domingo a todos, el post de hoy es especial, ya que os quiero hablar de un grupo con el que tengo una gran vinculación, puesto que sobre ellos desarrollé mi tesina. Además, hace un par de semanas recibí la buena noticia de que habían publicado un artículo que había escrito sobre ellos en la revista que edita anualmente la Universidad Complutense de Madrid<i> Anales de Historia del Arte</i>, así que estoy de enhorabuena. </div>
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El grupo Estrujenbank, hojalatería y pintura en general, estuvo formado por los artistas plásticos Patricia Gadea (Madrid 1960- Palencia 2006), Mariano Lozano (Cuenca, 1942) y Juan Ugalde (Bilbao,1948) y por el poeta Dionisio Cañas (Tomelloso, 1949). El colectivo tuvo una duración de unos cuatro años (1989-1993) y llevaron a cabo sus actividades principalmente en la ciudad de Madrid, donde tenían su estudio, convertido también en una de las salas alternativas más importantes de la época, situado en el barrio de Legazpi (143 Paseo de las Delicias). A pesar de formar el colectivo a finales de la década, el grupo comenzó a gestarse a principios de los años 80 en Madrid cuando Gadea y Ugalde conocieron a Mariano Lozano y posteriormente en Nueva York donde coincidieron a mediados de los 80, Gadea, Ugalde y Dionisio Cañas. Este último colaboró como corresponsal desde esta ciudad durante la mayoría del tiempo que duró el grupo. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLPWP3VPdLb0Tc6fTJfF7g4A2FoDgPnBR4bXCfRlGzfA-fWZ9ViCsqPs7EHqjPnPjL3YmpuuZHF4aXn3jJ_TRqaJCO3Za-DPUBzt13gGiFoV8VsPoZElf2qMwDLKrkFjR-FUCYNQkUtlQ/s1600/Estrujenbank.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLPWP3VPdLb0Tc6fTJfF7g4A2FoDgPnBR4bXCfRlGzfA-fWZ9ViCsqPs7EHqjPnPjL3YmpuuZHF4aXn3jJ_TRqaJCO3Za-DPUBzt13gGiFoV8VsPoZElf2qMwDLKrkFjR-FUCYNQkUtlQ/s1600/Estrujenbank.JPG" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
De izda. a dcha.: Juan Ugalde, Mariano Lozano, Patricia Gadea y Dionisio Cañas. </div>
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A pesar de la corta vida del colectivo, llevaron a cabo muchas actividades y fueron muy importantes ya que en torno a ellos y a su sala expositiva se creó un círculo de grupos que tuvieron una gran repercusión en los colectivos independientes que se dieron en el Madrid de los años 90 como fueron E.M.P.R.E.S.A, Preiswert o Libres para Siempre. El grupo creó una sala para mostrar obras de otros artistas, produjo numerosas obras plásticas, pero también comisariaron, organizaron y participaron en numerosas exposiciones, realizaron varias obras literarias, entres las que hay que destacar el libro <i>Los tigres se perfuman con dinamita</i> (1992) y participaron en varias perfomances. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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En mi opinión una de las mejores aportaciones del grupo fue que consiguieron llevar a cabo sus proyectos durante unos años sin depender econónicamente de nadie, por lo que consiguieron realizar sus actividades tal como deseaban, sin sufrir ningún tipo de censura, siguiendo siempre el precepto "Do it yourself", por lo que con muy pocos recursos lograron llevar a cabo numerosos proyectos. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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Finalmente el colectivo dejó de colaborar en el año 1991 coincidiendo con el cierre de su sala-estudio, aunque después de esa época siguieron colaborando puntualmente en diversos eventos artísticos.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSXy43FoW1QkBcFIZ3-IJDkjCDLkfMz9sVpjIw29Mmsjfae0-Hucnb1QPhLjbq4LjUincffZodta_38NhNSkOBz_lDM87UKDf2rxrFR2W__BrnrToBeZghWKZCA9tvwUwcdn0hVMXDW-Q/s1600/Hottest.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSXy43FoW1QkBcFIZ3-IJDkjCDLkfMz9sVpjIw29Mmsjfae0-Hucnb1QPhLjbq4LjUincffZodta_38NhNSkOBz_lDM87UKDf2rxrFR2W__BrnrToBeZghWKZCA9tvwUwcdn0hVMXDW-Q/s1600/Hottest.jpg" width="295" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<i>The Hottest,</i> 1991</div>
<br />
Para aquellos que estéis interesados en saber más sobre este genial grupo os dejo el enlace del artículo por si os animáis a leerlo, espero que os guste. <br />
<a href="http://revistas.ucm.es/index.php/ANHA/article/view/41327/39489" target="_blank">El grupo Estrujenbank y su proyecto en el Madrid de finales de los años 80 y principios de los 90.</a>CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-50165030412982725202013-04-28T20:10:00.000+01:002013-04-28T21:22:09.873+01:00Sean Henry<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy os quiero hablar del artista inglés Sean Henry. La primera vez que vi sus obras fue en una exposición en la catedral de Salisbury hace un par de años y desde entonces he tenido el placer de volver a encontrármelas en numerosas ocasiones.</div>
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Sean Henry (Woking, 1965). Fue el primer escultor en ganar el Villiers David Prize en el año 1998. Es conocido por sus famosas esculturas que varían de tamaño según las necesidades de su ubicación, por lo que podemos encontrarnos desde obras de pocos centrímetos a esculturas de más de diez metros. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFXAT8mxMhZXcOaJ2YDGIe0puvcBPK38G6edjPGWui-sQZMguY2VOVblbRcZ4LbdYRskbim2AycqhMecH1SAvRy1lVzAEbJQbeggCHhgOpWrRI6KLB2QQaXeqDonZxktycMFhZL23b62Q/s1600/sean-henry-at-salisbury-cathedral-day-2-111.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIyAz3G94LOTHaF-6fxMk5qIDE4WX_j-6Py6D83aN0I2N5B6frqV0btQUbogTC_rUVeu-zrJxsDh1po0cJ-6qDahM4CqROGjdgKww03hX1OudwrTQ0aO8_43a-92EGLrjpFkTgHh3zm_c/s1600/salisbury-2.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIyAz3G94LOTHaF-6fxMk5qIDE4WX_j-6Py6D83aN0I2N5B6frqV0btQUbogTC_rUVeu-zrJxsDh1po0cJ-6qDahM4CqROGjdgKww03hX1OudwrTQ0aO8_43a-92EGLrjpFkTgHh3zm_c/s640/salisbury-2.jpeg" width="640" /></a></div>
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<i>Obra en la Catedral de Salisbury</i>, 2011 </div>
<br />
Sus esculturas para las que usa el barro y también el bronce, siempre son policromadas y en ellas representa a seres humanos. Vestidos con ropa actual, sus protagonistas son personajes anónimos, con los que el espectador se suele identificar, ya que parecen reales, nunca posan sino que se capta al personaje desprevenido. En numerosas ocasiones, muestra a sus personajes en un momento de descanso o incluso dormidos, lo que provoca que el receptor espíe al retratado en un momento íntimo, convirtiéndose así en un verdadero voyeur.<br />
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFXAT8mxMhZXcOaJ2YDGIe0puvcBPK38G6edjPGWui-sQZMguY2VOVblbRcZ4LbdYRskbim2AycqhMecH1SAvRy1lVzAEbJQbeggCHhgOpWrRI6KLB2QQaXeqDonZxktycMFhZL23b62Q/s1600/sean-henry-at-salisbury-cathedral-day-2-111.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFXAT8mxMhZXcOaJ2YDGIe0puvcBPK38G6edjPGWui-sQZMguY2VOVblbRcZ4LbdYRskbim2AycqhMecH1SAvRy1lVzAEbJQbeggCHhgOpWrRI6KLB2QQaXeqDonZxktycMFhZL23b62Q/s400/sean-henry-at-salisbury-cathedral-day-2-111.jpg" width="400" /></a></div>
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<i>Folly (the other Self)</i> 2011</div>
<br /></div>
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En su instalación <i>Folly (the other Self)</i> el escultor va más allá y nos enseña el interior de una casa en la que no existen ventanas ni paredes y en la que podemos observar a un hombre que duerme plácidamente en su cama, pero al que también se le representa en una esquina de su casa, mirando al horizonte. El artista muestra a ese hombre con 12 horas de diferencia, en una de las esculturas el protagonista está dormido, ya que según el autor, representa a ese personaje a las 3.00 de la mañana, mientras que en la otra imagen aparece representado despierto puesto que se serían las 3.00 de la tarde. La persona es la misma, pero es su estado el que cambia. La instalación está pensada para que todo aquel que lo desee pueda entrar en ella y recorrerla, busca una interacción total entre obra y público. La realización de esta pieza le llevó cinco años al artista, ya que comenzó a trabajar en ella en el 2006 pero hasta el 2011 no la terminó. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwKezXCmMjF7EcUlgHo2FQcoZ0LkYK8vx0SsmtkFFjCoW2VeB81UjaYgmzIOEQwnLrPGOE8oJDHT-9wWU52YF_vWq-09prA1ZSNHVI8hQdAauKOpEDcOAdMPrX_rtoGl9JuBPAw22B3LU/s1600/img_0441.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwKezXCmMjF7EcUlgHo2FQcoZ0LkYK8vx0SsmtkFFjCoW2VeB81UjaYgmzIOEQwnLrPGOE8oJDHT-9wWU52YF_vWq-09prA1ZSNHVI8hQdAauKOpEDcOAdMPrX_rtoGl9JuBPAw22B3LU/s1600/img_0441.jpg" style="cursor: move;" width="265" /></a>La exposición del artista en la catedral
de Salisbury, fue muy importante en la carrera de este autor, ya que sus
obras se mostraron en el interior y exterior de este edificio gótico,
acogiendo de esta forma un espacio religioso una exposición de arte contemporáneo. El resultado fue muy positivo, y la muestra recibió más de 100.000 visitantes en cuatro meses. Sus obras sorprendían al público, ya que en los lugares en los que se suelen ver obras religiosas, en este
caso se podían ver esculturas que representaban a gente corriente,
personajes actuales que desde sus peanas parecía que estaban pensando en
sus propios problemas. No eran santos ni personajes vinculados con la religión sino hombres y mujeres del siglo XXI, con los que los espectadores empatizaban de inmediato.</div>
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<br /></div>
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Sean Henry expone sus trabajos en numerosas galerías internacionales, pero a su vez ha creado y crea numerosas obras para sitios específicos. Como ejemplos podemos hablar de <i>Trajan's Shadow</i> ubicada en una plaza londinense o <i>Man Holding Jacket</i> que se encuentra en un local privado en la zona de Bank (Londres). <i>Man Holding Jacket,</i> 2008</div>
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<br /></div>
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Para el artista la ubicación de sus obras es uno de los condicionantes más importantes a la hora de llevarlas a cabo, llegando a convertirse sus personajes, en verdaderos protagonistas del espacio que albergan.<br />
<br />
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<i> </i><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTQsLZBhkU_Iumc4qpeWY_At53NmB1ivvdGLMoq9l82QjznrDp487KIiBOQ3h4tzHzqq5_u9OBRWNX51NCbh6SzxeJoP3sXRGbf2R5x0zlah4IMKy3YmAu_wk9Gsjkmgc5Z-jE_2otiOQ/s1600/trajan-s-shadow-berkeley-square-copy.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="296" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTQsLZBhkU_Iumc4qpeWY_At53NmB1ivvdGLMoq9l82QjznrDp487KIiBOQ3h4tzHzqq5_u9OBRWNX51NCbh6SzxeJoP3sXRGbf2R5x0zlah4IMKy3YmAu_wk9Gsjkmgc5Z-jE_2otiOQ/s1600/trajan-s-shadow-berkeley-square-copy.jpg" width="400" /></a> </i></div>
<i> </i><i><i>Trajan's Shadow</i>, 2002, Berkeley Square, Londres </i><br />
<i> </i></div>
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Si queréis conocer más de la obra de este gran<span id="goog_2020323461"></span><a href="https://www.blogger.com/"></a><span id="goog_2020323462"></span> artista aquí os dejo su página web: <a href="http://www.seanhenry.com/" target="_blank">http://www.seanhenry.com/</a></div>
CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-11438283642264419712013-04-21T16:42:00.001+01:002013-04-21T20:08:42.165+01:00Jef Aérosol<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy quiero hablaros del artista francés Jean-François Perroy, conocido mundialmente por el pseudónimo de Jef Aérosol.</div>
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<br /></div>
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Jef Aérosol (Nantes 1957) es un artista graffitero que desde el año 1982 vive en la ciudad francesa de Lille. Pertenece a la primera generación de artistas urbanos de la década de los 80 y sus obras pueden verse desde entonces por numerosas ciudades de todo el mundo e incluso ha llevado a cabo una pieza en la Gran Muralla China. Su primer trabajo lo realizó en el año 82 en Tours y ha sido una gran influencia a lo largo de todos estos años para las nuevas generaciones de "urban artists". </div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Aérosol no solo trabaja realizando graffitis al aire libre, sino que a su vez expone en numerosas galerías francesas e internacionales que lo representan, participando a menudo en ferias de arte contempóraneo. </div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZu1_3tqt6Y0Ek84VOMn1edjNLnwyR9dxnd9yWQTiOb_TxlH-ACgzWEiyqQYj_DwddaPboKqQtO10W5EttNoJOW5SRvsPGK_w8WIswPv7_ueo4Jrp828IX0AK3c87cr6BQIoiRwI3btn0/s1600/5847903652_afaf66802a_z.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZu1_3tqt6Y0Ek84VOMn1edjNLnwyR9dxnd9yWQTiOb_TxlH-ACgzWEiyqQYj_DwddaPboKqQtO10W5EttNoJOW5SRvsPGK_w8WIswPv7_ueo4Jrp828IX0AK3c87cr6BQIoiRwI3btn0/s640/5847903652_afaf66802a_z.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Chut!</i>, Plaza Stravinsky, París.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Jef Aérosol comenzó en los años 70 con el copy-art, realizando collages distorsionando fotografías y utilizando imágenes fotocopiadas, para comenzar posteriormente, a principios de los años 80, a realizar obras en la calle usando sus famosas plantillas. Sus obras aparecen firmadas con su nombre y con unas flechas rojas siempre visibles en sus piezas. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiETVbgt6Dsp3Qoh6fI420mptKy_Rd85GYIEXSX6XEdf-enFmSmtvAEsbbuFnySdzWRn7FMml5YEu6QfRbNeLuBWzUcj1tXRmMz2o0G-r2ZtHctmLKkfU68ZQ_9tUg-latGfiQRI5hEUOU/s1600/jef-aerosol_sicily_vespa2_1000.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="267" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiETVbgt6Dsp3Qoh6fI420mptKy_Rd85GYIEXSX6XEdf-enFmSmtvAEsbbuFnySdzWRn7FMml5YEu6QfRbNeLuBWzUcj1tXRmMz2o0G-r2ZtHctmLKkfU68ZQ_9tUg-latGfiQRI5hEUOU/s400/jef-aerosol_sicily_vespa2_1000.jpg" width="400" /></a>Debido a su fuerte vinculación con la música, puesto que él mismo a formado parte de diferentes bandas, existen muchas obras cuyos protagonistas son músicos reconocidos inmediatamente por el espectador como pueden ser: John Lennon, Elvis Presley, Patti Smith, Bob Dylan o Jay Z. Pero no solo le dedica su espacio expositivo a la música sino que también actores o directores de cine decoran sus piezas: Woody Allen, Alfred Hitchcock, Marlon Brando o personajes relacionados con el mundo del arte como Jean-Michel Basquiat o Andy Warhol. A su vez también podemos encontrarnos en sus obras a figuras anónimas no reconocibles por el público, aunque en ocasiones como su <i>Sitting Kid </i>lo ha representado en diferentes lugares del mundo, por lo que el espectador ya lo relaciona directamente con el artista. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Sus obras las realiza en blanco y negro a excepción de la flecha roja usada a modo de firma de autoría. Por lo que si os encontráis con alguna pieza de estas caracterísiticas, podréis reconocer fácilmente que tras ella se encuentra la mano de este genial artista francés.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB5H71ClomnekxAvKO6ofaHS91jegFMJMbgDkoHgaUMIGL6zz9N9_LzcD7kUfcHS7m1fQGP0Zosb2L8aVk9rpDaMUOMbd81hPec7SRXdJLz2bSBT0Im67QW7GEredAQ4i_StG6YijSIW4/s1600/jef-aerosol_sitting-kid_great-wall_unurth.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB5H71ClomnekxAvKO6ofaHS91jegFMJMbgDkoHgaUMIGL6zz9N9_LzcD7kUfcHS7m1fQGP0Zosb2L8aVk9rpDaMUOMbd81hPec7SRXdJLz2bSBT0Im67QW7GEredAQ4i_StG6YijSIW4/s320/jef-aerosol_sitting-kid_great-wall_unurth.jpg" width="240" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhn7zDqkySVTqy9NtrL5OwnTBWrgd21OoBiM2N8BJzkSxQYa-puLqnHN-yDsgfyvb2pDxE1qEuXGQJjvD3xHhMnPpu6UOwcwzJC3zfXWrjcMJZ4Wj0DM1iZTTNf-TlySyBCVBeMG0yXxOo/s1600/3520184840_a127346f93.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhn7zDqkySVTqy9NtrL5OwnTBWrgd21OoBiM2N8BJzkSxQYa-puLqnHN-yDsgfyvb2pDxE1qEuXGQJjvD3xHhMnPpu6UOwcwzJC3zfXWrjcMJZ4Wj0DM1iZTTNf-TlySyBCVBeMG0yXxOo/s320/3520184840_a127346f93.jpg" width="240" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Sitting Kid</i> en la Gran Muralla China. </div>
CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-75787212836346613732013-04-14T13:50:00.000+01:002013-04-18T20:45:34.601+01:00Isidro Blasco<div style="text-align: justify;">
Hace ya tres años descubrí a Isidro Blasco en una exposición individual en la sala Alcalá 31 y he de reconocer que fue una de esas ocasiones, en las que vas a una muestra sin ningún tipo de expectativa, ya que en mi caso no conocía al artista, y sales increíblemente satisfecha con el hallazgo, por lo que desde entonces no he dejado de seguirle la pista.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Isidro Blasco (Madrid 1962) es un artista español que vive y trabaja en Nueva York desde el año 1996. Estudió Bellas Artes en la Universidad Autónoma de Madrid, realizando también un doctorado en la Escuela de Arquitectura de la misma ciudad. Desde los años 90 ha expuesto en museos y galerías de medio mundo y sus obras forman parte de colecciones tan importantes como la del Whitney Museum o el MOMA.<br />
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJyNZ_9Y74cUmtf08CLjifdH75KJdJzfjX6ZG6E8-h9p_ti7iRSytjBl7bL9fy8vM627_5k9O0Z-rRjkPEPjgHyTBqFZqrMpxR9-CwRNIisi229mLD1AE2XYkMVCvzxopXVqaRH5rR36U/s1600/1400x720-A7Ms6KTs48Wby_qk.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJyNZ_9Y74cUmtf08CLjifdH75KJdJzfjX6ZG6E8-h9p_ti7iRSytjBl7bL9fy8vM627_5k9O0Z-rRjkPEPjgHyTBqFZqrMpxR9-CwRNIisi229mLD1AE2XYkMVCvzxopXVqaRH5rR36U/s640/1400x720-A7Ms6KTs48Wby_qk.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Thinking about that place</i>, Espacio Uno MNCARS (Mayo-Julio 2004)</div>
<div style="text-align: center;">
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
Isidro Blasco, influenciado por los artistas cubistas, recrea esculturas alejadas del concepto tradicional de esta técnica artística. Sus obras son consideradas instalaciones, donde la escultura, la arquitectura, la fotografía y en ocasiones también el vídeo se unen para formar una pieza completa, una obra total.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Blasco toma numerosas fotografías de algún espacio que le interesa, por lo general relacionados con su propia vida (espacios arquitectónicos urbanos o familiares) para luego ensamblarlas en
diferentes paneles de madera a modo de maquetas arquitectónicas. Busca imágenes que tengan referencias emocionales, para que el receptor logre encontrar algún nexo con las mismas y pueda así comenzar a participar en el juego escultórico del artista, reconociendo el espacio recreado. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La
perspectiva es fundamental convirtiéndose en la protagonista de la obra
final. Utiliza diferentes fotografías de un mismo espacio, como puede ser su apartamento. A su vez construye una base arquitectónica, para colocar sobre ella las imágenes seleccionadas. Dispuestas éstas en diferentes niveles crea un espacio 3D, que nos permite ubicarnos y descubrir la disposición de la obra, introduciéndonos sin que nos demos cuenta de ello en su visión particular del espacio y de la asociación de imágenes. El entramado arquitectónico está a la vista, formando parte a su vez de la obra, el artista no lo oculta ya que es una parte importante de la pieza. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Isidro Blasco deconstruye primero y luego construye de nuevo estos espacios, desorientando inicialmente al receptor, que se enfrenta a una nueva visión de la realidad, que debe descodificar para posteriormente formar parte de ella. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz2VQgeQxN2oM_shJ5krxklshgb3VDXYous-sLi6RtZNF9QHvhl0vZgkijduxzquf858MyUtoOGZPVtnlOy5wWzV7nZGbkO0Hk10T11ceuPp37cK-mERRfVjgz9RfhU91g10-TuUSrVPk/s1600/isidro+blasco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="390" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz2VQgeQxN2oM_shJ5krxklshgb3VDXYous-sLi6RtZNF9QHvhl0vZgkijduxzquf858MyUtoOGZPVtnlOy5wWzV7nZGbkO0Hk10T11ceuPp37cK-mERRfVjgz9RfhU91g10-TuUSrVPk/s400/isidro+blasco.jpg" width="400" /></a></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<i>Deconstructed Laneway</i>, Sydney (Septiembre 2011-Febrero2012)<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Isidro
Blasco además de exponer sus obras en galerías y museos ha creado
también obras site-specific como la realizada en Sydney desde Septiembre
del 2011 hasta febrero de 2012, <i>Deconstructed Laneway</i>. En esta
obra, ubicada al final de un edificio, el artista gracias a su
ensamblaje de imágenes abre una calle donde realmente no existe
ninguna. Es una nueva salida que a pesar de saber que realmente es tan
solo una imagen recreada, hace que el ojo de aquel que lo vea se la
pueda imaginar perfectamente, acoplándose de forma casi perfecta al
entramado de la calle, consigue crear una ilusión óptica que permite
iniciar el juego de nuevo entre artista y receptor.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Si queréis conocer más sobre la obra de este genial artista, aquí os dejo su página web:<br />
<a href="http://isidroblasco.com/" target="_blank">isidroblasco.com</a>CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-32961746732274396882013-04-07T11:42:00.000+01:002013-04-08T13:48:30.861+01:00Ángeles SantosEl post de hoy se lo quiero dedicar a la autora de uno de mis cuadros favoritos: Ángeles Santos.<br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Ángeles Santos Torroella (Portbou, 1911) es una artista española, que ha sido catalogada en diferentes estilos, pasando del surrealismo y el expresionismo al postimpresionismo años más tarde. Su producción no ha sido muy prolífica ya que a pesar de ser una artista muy reconocida en la vanguardia española, durante muchos años estuvo apartada del círculo artístico y a su vuelta su estilo cambió por completo, realizando temáticas mucho más tradicionales y llegando a destruir algunas de sus obras anteriores. </div>
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSqMikBef24EqJl4eDlMmL58FgHW_67HGf6_FwnnJsmA2QavOkne77bBCM54oTOFDVXf6DHKpPhKbjG5Iy5PIs5BihLo98kFsVWar7QFpa0va_CFoP8vgPViKQUwzXEW_lqcJUrtgeLGg/s1600/La+tertulia+1929.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="217" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSqMikBef24EqJl4eDlMmL58FgHW_67HGf6_FwnnJsmA2QavOkne77bBCM54oTOFDVXf6DHKpPhKbjG5Iy5PIs5BihLo98kFsVWar7QFpa0va_CFoP8vgPViKQUwzXEW_lqcJUrtgeLGg/s320/La+tertulia+1929.gif" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<i><i>La Tertulia</i>, </i>1929<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Ángeles Santos debido a la profesión de su padre, que era funcionario de Aduanas, vivió en diferentes ciudades españolas. De entre ellas cabe destacar su período en Valladolid, donde pintó su cuadro más famoso Un Mundo y donde comenzó a exponer en alguna muestra de la época. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En 1933 regresó a Barcelona, donde se casó con el pintor Emilio Grau Sala y su pintura pasa a un segundo plano.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOkD3pgTAGdWp_Mfardod294mdsthFhrW6Cgs4GB_rJ2mhVHa3vea6E0YsRWNd8WokQOj3trRaSt6QnB12QKJGFwfbAi4T_UhEYHvUXQ9KbjwHfDjWQgn-cMpocVpjJDgQIRBSq4NNEYs/s1600/Un+mundo,+1929.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOkD3pgTAGdWp_Mfardod294mdsthFhrW6Cgs4GB_rJ2mhVHa3vea6E0YsRWNd8WokQOj3trRaSt6QnB12QKJGFwfbAi4T_UhEYHvUXQ9KbjwHfDjWQgn-cMpocVpjJDgQIRBSq4NNEYs/s320/Un+mundo,+1929.JPG" width="320" /></a></div>
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<i>Un Mundo, </i>1929<br />
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Su cuadro <i>Un Mundo</i> es su obra más famosa y la realizó con tan solo 17 años. Se presentó en el IX Salón de Otoño de Madrid y pronto gozó de un merecido éxito. Muchos intelectuales visitaron a la artista en su casa de Valladolid tras conocer su obra. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía, donde a su vez está expuesto su cuadro <i>La Tertulia</i> conocido también como <i>El Cabaret.</i> El lienzo es de grandes dimensiones (290x310cm) y en él Ángeles Santos pintó su mundo tal como ella lo veía. Su padre le compró el lienzo y lo pusieron en la pared de su habitación donde Santos pintaba cuando lo deseaba, a veces incluso se despertaba por las noches para poder continuar con el mismo. Un sol, al que se accede a través de unas escaleras sin fin, ilumina tímidamente su mundo, un universo cuadrado ya que era más fácil para ella pintarlo así, aunque también se ha relacionado esta forma con una cierta influencia cubista. Su mundo parece un sueño, donde los personajes, no reales, vagan en sus profundidades. Esta pieza ha sido considerada uno de los máximos ejemplos del surrealismo español. La noche y el día aparecen reflejadas, dividiendo la obra en dos, mientras que en la noche las almas viajan entre las estrellas, en el día ascienden al cielo.<br />
En su mundo se pueden ver elementos reconocibles por la artista, el río (quizás el Pisuerga), el tren en movimiento, la playa, el cementerio, diferentes bloques de viviendas abiertos para que podamos ver las vidas de sus habitantes, convirtiéndonos en verdaderos voyeurs.<br />
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Después del éxito de este cuadro, la popularidad le llegó rápidamente y expuso en numerosas exposiciones nacionales e internacionales. Intelectuales de la época como Ramón Gómez de la Serna, García Lorca, Jorge Guillén o Juan Ramón Jiménez, grandes admiradores de su obra viajaron a Valladolid para verla. Tras un intento fallido de escaparse de su casa, Ángeles Santos fue internada en un sanatorio mental, del que consiguió salir gracias a la mediación de Gómez de la Serna. Tras su salida de este centro la artista nunca volverá a pintar como lo había hecho hasta entonces.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg12tpa6g1KhXqtgdreLcy7eIQ-Wai-9S2HU5hFxJMOQBN8DBv9vUSmG2T0u7baal7wfRWmg6d5PdH6kaf0IHV8hjchMMZrpHpOXjKs7WcQSa4AAfy4FDoSC0k6uC2TuWt7xfbV-D_42xA/s1600/autoretrato1928.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg12tpa6g1KhXqtgdreLcy7eIQ-Wai-9S2HU5hFxJMOQBN8DBv9vUSmG2T0u7baal7wfRWmg6d5PdH6kaf0IHV8hjchMMZrpHpOXjKs7WcQSa4AAfy4FDoSC0k6uC2TuWt7xfbV-D_42xA/s320/autoretrato1928.jpg" width="217" /></a></div>
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<i>Autorretrato</i>, 1928</div>
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En el 2003 el Museo Patio Herreriano de Valladolid le dedicó una exposición retrospectiva donde tuve el placer de conocer su obra y desde entonces soy una gran admiradora. En el 2004 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes otorgada por el Ministerio de Cultura.<br />
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CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-2710693411730612042013-03-24T11:17:00.002+00:002013-03-24T11:17:48.810+00:00Santos de Veracruz<div style="text-align: justify;">
En el post de hoy viajo en el tiempo para volver a mi verano del 2006, donde descubrí al artista del que os quiero hablar.<br />
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Fue en un concierto de San Mateo en Oviedo y él, Santos de Veracruz, pintaba su cuadro en el escenario con la banda de Muchachito Bombo Infierno. Aunque en aquel momento no conocía apenas al grupo, tengo que reconocer que me lo pasé genial con su música, con el ambiente generado y me pareció una gran idea la de mezclar música y pintura en un solo concierto. </div>
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Santos de Veracruz (Barcelona, 1975) es un pintor con una gran vinculación a la música. De formación autodidacta, pronto demostró sus habilidades con la pintura, participando en la publicación de cómics desde muy temprana edad. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx0ZlSrCyBrahJf4oJTckOi9c13-x44N93UDUFOOTKhvuaMA_lVlq0EQbLYysz1CDuwRPbm1efGjDIuuTzLdq2p5iiODKxCtm-yXg9uI5x-ogOY51rv7o_WMuVelMFBCN-NiVBmTkdm88/s1600/santos+de+veracruz.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="281" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx0ZlSrCyBrahJf4oJTckOi9c13-x44N93UDUFOOTKhvuaMA_lVlq0EQbLYysz1CDuwRPbm1efGjDIuuTzLdq2p5iiODKxCtm-yXg9uI5x-ogOY51rv7o_WMuVelMFBCN-NiVBmTkdm88/s400/santos+de+veracruz.jpg" width="400" /></a></div>
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<i>Hasta las tres de la tarde no soy nadie</i>, 2006.</div>
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Gran amante del flamenco, Santos de Veracruz siempre ha estado muy vinculado con el mundo de la música, cómo él mismo cuenta entre bromas :"Yo soy pintor porque nací sordo, sino hubiera sido músico". De hecho forma parte de la banda de Muchachito Bombo Infierno y durante sus conciertos pinta un cuadro en el escenario acompañado por la música de la banda. Antes de subirse al escenario no tiene elegido el tema sobre el que va a pintar, por lo que todo se lo deja a la improvisación y a lo que la música le inspire. Al final del concierto muestra el cuadro terminado al público, que durante todo ese tiempo le ha acompañado y han bailado al son de las canciones que tocaba el grupo.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNQbqqLwpExnSrJM0j_Is7Hr_XxqJ68VjWiL59a8gqcrX-b1TufZZ6O80OyPM-NYGzDh6SKTy6tzioxLapG3i1uvmqfnGxn_1S-U0u7yhOO0K3dV4RzspbOCWmlqC9MXXG4G9Bji5-UDk/s1600/Hoy+nos+alcanz%C3%B3+la+noche+2007.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNQbqqLwpExnSrJM0j_Is7Hr_XxqJ68VjWiL59a8gqcrX-b1TufZZ6O80OyPM-NYGzDh6SKTy6tzioxLapG3i1uvmqfnGxn_1S-U0u7yhOO0K3dV4RzspbOCWmlqC9MXXG4G9Bji5-UDk/s1600/Hoy+nos+alcanz%C3%B3+la+noche+2007.jpg" /></a></div>
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<i>Hoy nos alcanzó la noche</i>, 2007.</div>
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Santos de Veracruz, a lo largo de todos estos años ha colaborado en varios tebeos, ha realizado carteles publicitarios, ha pintado un mural para las bodegas Neo en Aranda del Duero de 40 metros de longitud y ha colaborado con diversos músicos realizando dibujos y portadas para sus discos, como ocurre con los de Muchachito Bombo Infierno.<br />
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En sus creaciones pinta siempre personas, en diferentes situaciones, personajes en la mayoría de los casos con cierta influencia flamenca, utilizando toda una gama de colores vivos que generan una reacción muy positiva en el espectador que las observa. Le gustan también mucho los cuadros ambientados en escenas nocturnas.<br />
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Si queréis conocer más de su obra aquí os dejo su interesante web: <a href="http://www.santosdeveracruz.com/" target="_blank">www.santosdeveracruz.com</a><br />
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Y para terminar el blog de hoy lo hacemos con banda sonora donde se puede ver al artista en plena acción:<br />
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/LII6CkHG8do?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-5745582229583792813.post-38099345398961413762013-03-10T15:33:00.000+00:002013-03-10T15:33:14.992+00:00Elisabeth LecourtEn el post de hoy quiero hablaros sobre una artista que me encanta: Elizabeth Lecourt.<br />
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Elizabeth Lecourt (Oloron Saint Maire, Francia 1972) es una artista que vive y trabaja en Londres desde hace muchos años. En la capital inglesa estudió en varios centros de arte, entre ellos el Royal College of Art. En la actualidad le representan numerosas galerías en Francia, Estados Unidos e Inglaterra.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPX29_kcL-ie8_Qr4d3qiNMEeKyrqQ0X2KHCUi_JQxSJnAp92ruhbiGwhDfOIQy9jWXg0X1qmJCnsK4VpnCnqXDclxxCJl9iRCu7h2pPnWXT5ZJtWvk6fEj1OdPGITRIg4LxyAKCjI_pw/s1600/13_le-chateau-mandarine.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPX29_kcL-ie8_Qr4d3qiNMEeKyrqQ0X2KHCUi_JQxSJnAp92ruhbiGwhDfOIQy9jWXg0X1qmJCnsK4VpnCnqXDclxxCJl9iRCu7h2pPnWXT5ZJtWvk6fEj1OdPGITRIg4LxyAKCjI_pw/s400/13_le-chateau-mandarine.jpg" width="328" /></a></div>
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<span class="title"><i>Le Chateau Mandarine</i>, map of the world. Signed and sealed E.L. Elisabeth Lecourt, 2012 </span><span class="caption"><br /></span></div>
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Lecourt es una creadora multidisciplinar que domina varias técnicas, realiza pinturas, instalaciones, bordados sobre textil... Sin embargo hoy me gustaría hablaros de las que en mi opinión son sus mejores creaciones,<i> </i>sus series de<i> Les Robes Géographiques</i>.</div>
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A partir de unos bocetos que realizó en el año 2002, Elisabeth comenzó a desarrollar estas piezas basadas en el mundo textil y cartográfico. En estas obras, la creadora utiliza mapas antiguos para crear vestidos, plegando sus partes y trabajando sobre estos documentos. Realiza una verdadera labor de papiroflexia, convirtiendo vestidos de papel en originales obras de arte. </div>
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Estos vestidos tienen una cierta estética vintage y muchas veces incluso están relacionados con el mundo infantil, nos recuerdan a los que llevaban las niñas hace años.<br />
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La ropa a lo largo de toda la historia ha tenido una gran importancia en la evolución del hombre, dice mucho de la persona a la que pertenece. Por ello la artista intenta buscar un nexo común entre estas historias del vestuario y las que puede contar un mapa. El punto de partida en ambos es el ser humano, por lo que aquí la artista los vincula para crear una historia común entre ellos.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9N6eRAKTxE_LzM9xlk2O0sm7WpUN1YoX2fMOCHJkCsayFNI8G0Wslxkx6bIMiMbswmEDJJW3Xwck8lcbRDUAh2qCX_16qzsnLRQQSNy1aLrNu39IL8DYj4YxDkTiYftAr4rQcf4Bo9LE/s1600/Rainette+et+Fabulon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9N6eRAKTxE_LzM9xlk2O0sm7WpUN1YoX2fMOCHJkCsayFNI8G0Wslxkx6bIMiMbswmEDJJW3Xwck8lcbRDUAh2qCX_16qzsnLRQQSNy1aLrNu39IL8DYj4YxDkTiYftAr4rQcf4Bo9LE/s400/Rainette+et+Fabulon.jpg" width="313" /></a></div>
<div style="font: 12px Helvetica; margin: 0px; text-align: center;">
<i>"Rainette et Fabulon"</i> Map of the Rambles rep.1890, signed and sealed E.L Elisabeth Lecourt 2012</div>
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Diseño, geografía y arte se dan la mano en estas preciosas obras, que nos transportan a diferentes lugares de todo el mundo. Generalmente estos mapas son fácilmente reconocibles ya que suelen aparecer imágenes o letras que nos ayudan perfectamente a situarnos.</div>
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En estas series, la mayoría de sus trabajos son vestidos, pero también podemos encontrarnos camisas, petos y demás prendas de vestir.</div>
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Si queréis conocer más sobre la obra de esta artista, no dudéis en visitar su página web: <a href="http://www.elisabethlecourt.com/" target="_blank">www.elisabethlecourt.com</a><br />
<br />CarmenGhttp://www.blogger.com/profile/08128262035542807163noreply@blogger.com1