Jef Aérosol

En el post de hoy quiero hablaros del artista francés Jean-François Perroy, conocido mundialmente por el pseudónimo de Jef Aérosol.

Jef Aérosol (Nantes 1957) es un artista graffitero que desde el año 1982 vive en la ciudad francesa de Lille. Pertenece a la primera generación de artistas urbanos de la década de los 80 y sus obras pueden verse desde entonces por numerosas ciudades de todo el mundo e incluso ha llevado a cabo una pieza en la Gran Muralla China. Su primer trabajo lo realizó en el año 82 en Tours y ha sido una gran influencia a lo largo de todos estos años para las nuevas generaciones de "urban artists".

Aérosol no solo trabaja realizando graffitis al aire libre, sino que a su vez expone en numerosas galerías francesas e internacionales que lo representan, participando a menudo en ferias de arte contempóraneo.

Chut!, Plaza Stravinsky, París.

Jef Aérosol comenzó en los años 70 con el copy-art, realizando collages distorsionando fotografías y utilizando imágenes fotocopiadas, para comenzar posteriormente, a principios de los años 80, a realizar obras en la calle usando sus famosas plantillas. Sus obras aparecen firmadas con su nombre y con unas flechas rojas siempre visibles en sus piezas. 

Debido a su fuerte vinculación con la música, puesto que él mismo a formado parte de diferentes bandas, existen muchas obras cuyos protagonistas son músicos reconocidos inmediatamente por el espectador como pueden ser: John Lennon, Elvis Presley, Patti Smith, Bob Dylan o Jay Z. Pero no solo le dedica su  espacio expositivo a la música sino que también actores o directores de cine decoran sus piezas: Woody Allen, Alfred Hitchcock, Marlon Brando o personajes relacionados con el mundo del arte como Jean-Michel Basquiat o Andy Warhol. A su vez también podemos encontrarnos en sus obras a figuras anónimas no reconocibles por el público, aunque en ocasiones como su Sitting Kid lo ha representado en diferentes lugares del mundo, por lo que el espectador ya lo relaciona directamente con el artista.

Sus obras las realiza en blanco y negro a excepción de la flecha roja usada a modo de firma de autoría. Por lo que si os encontráis con alguna pieza de estas caracterísiticas, podréis reconocer fácilmente que tras ella se encuentra la mano de este genial artista francés.

Sitting Kid en la Gran Muralla China.

Isidro Blasco

Hace ya tres años descubrí a Isidro Blasco en una exposición individual en la sala Alcalá 31 y he de reconocer que fue una de esas ocasiones, en las que vas a una muestra sin ningún tipo de expectativa, ya que en mi caso no conocía al artista, y sales increíblemente satisfecha con el hallazgo, por lo que desde entonces no he dejado de seguirle la pista.

Isidro Blasco (Madrid 1962) es un artista español que vive y trabaja en Nueva York desde el año 1996. Estudió Bellas Artes en la Universidad Autónoma de Madrid, realizando también un doctorado en la Escuela de Arquitectura de la misma ciudad. Desde los años 90 ha expuesto en museos y galerías de medio mundo y sus obras forman parte de colecciones tan importantes como la del Whitney Museum o el MOMA.

Thinking about that place, Espacio Uno MNCARS (Mayo-Julio 2004)

 

Isidro Blasco, influenciado por los artistas cubistas, recrea esculturas alejadas del concepto tradicional de esta técnica artística. Sus obras son consideradas instalaciones, donde la escultura, la arquitectura, la fotografía y en ocasiones también el vídeo se unen para formar una pieza completa, una obra total.

Blasco toma numerosas fotografías de algún espacio que le interesa, por lo general relacionados con su propia vida (espacios arquitectónicos urbanos o familiares) para luego ensamblarlas en diferentes paneles de madera a modo de maquetas arquitectónicas. Busca imágenes que tengan referencias emocionales, para que el receptor logre encontrar algún nexo con las mismas y pueda así comenzar a participar en el juego escultórico del artista, reconociendo el espacio recreado. 

La perspectiva es fundamental convirtiéndose en la protagonista de la obra final. Utiliza diferentes fotografías de un mismo espacio, como puede ser su apartamento. A su vez construye una base arquitectónica, para colocar sobre ella las imágenes seleccionadas. Dispuestas éstas en diferentes niveles crea un espacio 3D, que nos permite ubicarnos y descubrir la disposición de la obra, introduciéndonos sin que nos demos cuenta de ello en su visión particular del espacio y de la asociación de imágenes. El entramado arquitectónico está a la vista, formando parte a su vez de la obra, el artista no lo oculta ya que es una parte importante de la pieza.

Isidro Blasco deconstruye primero y luego construye de nuevo estos espacios, desorientando inicialmente al receptor, que se enfrenta a una nueva visión de la realidad, que debe descodificar para posteriormente formar parte de ella. 

Deconstructed Laneway, Sydney (Septiembre 2011-Febrero2012)

Isidro Blasco además de exponer sus obras en galerías y museos ha creado también obras site-specific como la realizada en Sydney desde Septiembre del 2011 hasta febrero de 2012, Deconstructed Laneway. En esta obra, ubicada al final de un edificio, el artista gracias a su ensamblaje de imágenes abre una calle donde realmente no existe ninguna. Es una nueva salida que a pesar de saber que realmente es tan solo una imagen recreada, hace que el ojo de aquel que lo vea se la pueda imaginar perfectamente, acoplándose de forma casi perfecta al entramado de la calle, consigue crear una ilusión óptica que permite iniciar el juego de nuevo entre artista y receptor.

Si queréis conocer más sobre la obra de este genial artista, aquí os dejo su página web:
isidroblasco.com

Ángeles Santos

El post de hoy se lo quiero dedicar a la autora de uno de mis cuadros favoritos: Ángeles Santos.

Ángeles Santos Torroella (Portbou, 1911) es una artista española, que ha sido catalogada en diferentes estilos, pasando del surrealismo y el expresionismo al postimpresionismo años más tarde. Su producción no ha sido muy prolífica ya que a pesar de ser una artista muy reconocida en la vanguardia española, durante muchos años estuvo apartada del círculo artístico y a su vuelta su estilo cambió por completo, realizando temáticas mucho más tradicionales y llegando a destruir algunas de sus obras anteriores.

La Tertulia, 1929

Ángeles Santos debido a la profesión de su padre, que era funcionario de Aduanas, vivió en diferentes ciudades españolas. De entre ellas cabe destacar su período en Valladolid, donde pintó su cuadro más famoso Un Mundo y donde comenzó a exponer en alguna muestra de la época.

En 1933 regresó a Barcelona, donde se casó con el pintor Emilio Grau Sala y su pintura pasa a un segundo plano.

Un Mundo, 1929

Su cuadro Un Mundo es su obra más famosa y la realizó con tan solo 17 años. Se presentó en el IX Salón de Otoño de Madrid y pronto gozó de un merecido éxito. Muchos intelectuales visitaron a la artista en su casa de Valladolid tras conocer su obra. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía, donde a su vez está expuesto su cuadro La Tertulia conocido también como El Cabaret. El lienzo es de grandes dimensiones (290x310cm) y en él Ángeles Santos pintó su mundo tal como ella lo veía. Su padre le compró el lienzo y lo pusieron en la pared de su habitación donde Santos pintaba cuando lo deseaba, a veces incluso se despertaba por las noches para poder continuar con el mismo. Un sol, al que se accede a través de unas escaleras sin fin, ilumina tímidamente su mundo, un universo cuadrado ya que era más fácil para ella pintarlo así, aunque también se ha relacionado esta forma con una cierta influencia cubista. Su mundo parece un sueño, donde los personajes, no reales, vagan en sus profundidades. Esta pieza ha sido considerada uno de los máximos ejemplos del surrealismo español. La noche y el día aparecen reflejadas, dividiendo la obra en dos, mientras que en la noche las almas viajan entre las estrellas, en el día ascienden al cielo.
En su mundo se pueden ver elementos reconocibles por la artista, el río (quizás el Pisuerga), el tren en movimiento, la playa, el cementerio, diferentes bloques de viviendas abiertos para que podamos ver las vidas de sus habitantes, convirtiéndonos en verdaderos voyeurs.

Después del éxito de este cuadro, la popularidad le llegó rápidamente y expuso en numerosas exposiciones nacionales e internacionales. Intelectuales de la época como Ramón Gómez de la Serna, García Lorca, Jorge Guillén o Juan Ramón Jiménez, grandes admiradores de su obra viajaron a Valladolid para verla. Tras un intento fallido de escaparse de su casa, Ángeles Santos fue internada en un sanatorio mental, del que consiguió salir gracias a la mediación de Gómez de la Serna. Tras su salida de este centro la artista nunca volverá a pintar como lo había hecho hasta entonces.

Autorretrato, 1928

En el 2003 el Museo Patio Herreriano de Valladolid le dedicó una exposición retrospectiva donde tuve el placer de conocer su obra y desde entonces soy una gran admiradora. En el 2004 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes otorgada por el Ministerio de  Cultura.

Santos de Veracruz

En el post de hoy viajo en el tiempo para volver a mi verano del 2006, donde descubrí al artista del que os quiero hablar.

Fue en un concierto de San Mateo en Oviedo y él, Santos de Veracruz, pintaba su cuadro en el escenario con la banda de Muchachito Bombo Infierno. Aunque en aquel momento no conocía apenas al grupo, tengo que reconocer que me lo pasé genial con su música, con el ambiente generado y me pareció una gran idea la de mezclar música y pintura en un solo concierto. 

Santos de Veracruz (Barcelona, 1975) es un pintor con una gran vinculación a la música. De formación autodidacta, pronto demostró sus habilidades con la pintura, participando en la publicación de cómics desde muy temprana edad.

 Hasta las tres de la tarde no soy nadie, 2006.

Gran amante del flamenco, Santos de Veracruz siempre ha estado muy vinculado con el mundo de la música, cómo él mismo cuenta entre bromas :"Yo soy pintor porque nací sordo, sino hubiera sido músico". De hecho forma parte de la banda de Muchachito Bombo Infierno y durante sus conciertos pinta un cuadro en el escenario acompañado por la música de la banda. Antes de subirse al escenario no tiene elegido el tema sobre el que va a pintar, por lo que todo se lo deja a la improvisación y a lo que la música le inspire. Al final del concierto muestra el cuadro terminado al público, que durante todo ese tiempo le ha acompañado y han bailado al son de las canciones que tocaba el grupo.

 Hoy nos alcanzó la noche, 2007.

Santos de Veracruz, a lo largo de todos estos años ha colaborado en varios tebeos, ha realizado carteles publicitarios, ha pintado un mural para las bodegas Neo en Aranda del Duero de 40 metros de longitud y ha colaborado con diversos músicos realizando dibujos y portadas para sus discos, como ocurre con los de Muchachito Bombo Infierno.

En sus creaciones pinta siempre personas, en diferentes situaciones, personajes en la mayoría de los casos con cierta influencia flamenca, utilizando toda una gama de colores vivos que generan una reacción muy positiva en el espectador que las observa. Le gustan también mucho los cuadros ambientados en escenas nocturnas.

Si queréis conocer más de su obra aquí os dejo su interesante web: www.santosdeveracruz.com

Y para terminar el blog de hoy lo hacemos con banda sonora donde se puede ver al artista en plena acción:

 

Elisabeth Lecourt

En el post de hoy quiero hablaros sobre una artista que me encanta: Elizabeth Lecourt.

Elizabeth Lecourt (Oloron Saint Maire, Francia 1972) es una artista que vive y trabaja en Londres desde hace muchos años. En la capital inglesa estudió en varios centros de arte, entre ellos el Royal College of Art. En la actualidad le representan numerosas galerías en Francia, Estados Unidos e Inglaterra.

Le Chateau Mandarine, map of the world. Signed and sealed E.L. Elisabeth Lecourt, 2012

Lecourt es una creadora multidisciplinar que domina varias técnicas, realiza pinturas, instalaciones, bordados sobre textil... Sin embargo hoy me gustaría hablaros de las que en mi opinión son sus mejores creaciones, sus series de Les Robes Géographiques.

A partir de unos bocetos que realizó en el año 2002, Elisabeth comenzó a desarrollar estas piezas basadas en el mundo textil y cartográfico. En estas obras, la creadora utiliza mapas antiguos para crear vestidos, plegando sus partes y trabajando sobre estos documentos. Realiza una verdadera labor de papiroflexia, convirtiendo vestidos de papel en originales obras de arte.

Estos vestidos tienen una cierta estética vintage y muchas veces incluso están relacionados con el mundo infantil, nos recuerdan a los que llevaban las niñas hace años.

La ropa a lo largo de toda la historia ha tenido una gran importancia en la evolución del hombre, dice mucho de la persona a la que pertenece. Por ello la artista intenta buscar un nexo común entre estas historias del vestuario y las que puede contar un mapa. El punto de partida en ambos es el ser humano, por lo que aquí la artista los vincula para crear una historia común entre ellos.

"Rainette et Fabulon" Map of the Rambles rep.1890, signed and sealed E.L Elisabeth Lecourt 2012

Diseño, geografía y arte se dan la mano en estas preciosas obras, que nos transportan a diferentes lugares de todo el mundo. Generalmente estos mapas son fácilmente reconocibles ya que suelen aparecer imágenes o letras que nos ayudan perfectamente a situarnos.

En estas series, la mayoría de sus trabajos son vestidos, pero también podemos encontrarnos camisas, petos y demás prendas de vestir.

Si queréis conocer más sobre la obra de esta artista, no dudéis en visitar su página web:  www.elisabethlecourt.com